A very special book published in 1971. An iconic an gorgeous catalogue that contains art work from major Sixties artists, including Beuys, Caro, Hamilton, Lichtenstein, Oldenberg, Paolozzi, Rauschenberg, Stella, Twombly, Warhol, among others. Many reproductions of Pop Art and Op Art works collected by Peter and Irene Ludwig.

With a wonderful design by Wolf Wostel <3 Soft cover with embossed flexible plastic covers and a hard acrylic spine, bound with stainless steel bolts. Multiple paper stocks and printing effects, brown fabric paper with color plates, printed transparent slipsheets with a portrait of each artist, fold-outs… and more

And this is the fifth edition. The final edition, updated and expanded! An exceptionally and well preserved copy for you.

[EN]

lo único nuevo aquí, sois vosotros is a book of short stories, poetry, random ideas and images, an array of diverse formats through which the author talks about the experience of being a woman in a world that is full of women and people and things that are not women. about being part of situations and at the same time about not belonging to them. this book accumulates moments in which you touch and moments in which you look. it has sex, love, feminism, television, rap and humor. this book by marina fornet vivancos can be read in any order and has a lot of photographies.

[ES]

lo único nuevo aquí, sois vosotros es un libro de relatos, poesía, ideas sueltas e imágenes, formatos a través de los cuales se habla de la experiencia de ser una mujer en un mundo que está lleno de mujeres y de personas y cosas que no son mujeres. de cómo formas parte de las situaciones y a la vez no. este libro acumula momentos en los que tocas y en los que miras. tiene sexo, amor, feminismo, televisión, rap y humor. este libro de marina fornet vivancos se puede leer el cualquier orden y tiene bastantes fotos.

[EN]    In this publication the author utilizes a memory exercise to evoke an enjoyable moment in the Matur tourist complex, located to the East of Madeira Island. The title SARABANDE alludes, in a figurative sense, to the synchronized actions that took place in two contiguous spaces of this facility, connected to each other through a glass divider.

[ES]   En esta publicación el autor recurre a un ejercicio de memoria para recuperar un episodio de recreo en el complejo turístico Matur, situado en la parte este de la isla de Madeira. El título SARABANDE (Zarabanda) alude, en sentido figurado, a las acciones sincronizadas que discurrían en dos espacios contiguos de este recinto, conectados entre sí a través de una división acristalada.

Video: Implosion of the Atlantis Hotel /

Implosión del Hotel Atlantis, Água de pena, Machico

(1972-2000)

This poem takes root in a disagreement between a group of artists and an academic institution regarding the rent of their studio. Following the disagreement, a debt was put on the shoulders of the artists by the institution and – after making dinner for the head of the institution – they were given the possibility to make a counter proposal regarding how to settle it.

Threatened with losing their studio they offered what they had, free creative labour. Their offer was laid out in a tiny book. It was handmade, had a painted cover and started with the word Hello. ‘The Counter Proposal’ is the ghost of this original book. It serves as poetic witness to a moment of precarity which led a group of artists to take on a debt they knew to be illegitimate.

Each book was individually hand painted and bound at Heesterveld 57, Amsterdam in March 2021.

A FLAMENCO CATHARSIS es un estudio de dirección creativa especializado en la industria del flamenco que también publica una revista con el mismo nombre. Así, A FLAMENCO CATHARSIS Magazine es una publicación impresa, con vocación internacional, cuyo tema es el flamenco y sus alrededores artísticos. Con un enfoque ecléctico y sin miedos ni restricciones, este número dos presenta un contenido que va de la poesía a la experimentación visual, pasando por el ensayo y el relato de ficción, todo ello con una fotografía y un diseño editorial insólitos en el panorama revistero flamenco.

Entitled “Mixtape”, this catalogue brings together works by Dominique Hurth from 2008 to 2020. It comprises one text booklet with contributions by Daniela Cascella, Sonja Lau and the artist herself; one image booklet with 136 images from installation shots of Hurth’s work and one audio-tape (45-min each side) with recordings, music and sound material inherent to the research behind the works. The chosen format reflects on her interest in object-biography, technology and its history.

“We listened to historical recordings and futurist sounds, to tracks taking in everything from minimal wave and Detroit techno to hip-hop and chansons. We listened to the voices of the first speaking dolls that sounded like little monsters, to the voices of Sarah Bernhardt and Serge Gainsbourg as he burned a 500 Franc note on French TV. To Clarice Lispector as she lit a cigarette while being asked why she continued to write. We listened to music created in laboratories, music that was sent into outer space. We listened to lyrics and then languages and voices w couldn’t understand. Machine-generated sounds. Sounds created on celluloid. James Joyce reciting four pages of Finnegans Wake to Charles Ogden in the late 1920s. We listened to advertisements for vocoders and to music with vocoders as the primary transmitter of voice and the main musical instrument. We listened to France Gall singing — or rather, screaming — into the microphone at the Eurovisio Song Contest at the age of nineteen about being a doll made of wax and a doll made of sound. To a litany of okays sung by The Destroyer in a song by the Residents. To the breathing of Pauline Oliveros’s accordion. To the Holy Ghost in the Machine. To Minnie Riperton’s voice in the background, to atonal music, and to computer-generated hand claps. Electronic communication with the dead. Jazz.
A countdown to zero. We listened to beats.

The several hours of sound that we listened to eventually became two side of forty-five minutes each — Side A and Side B. Condensed and edited in this way, this mixtape actually conceals and contains several other mixtapes, recalling all the other tracks that burst out of the edges of the magnetic band.” (”Mixtape(s)”, D. Hurth, 2020)

Que los años 70 fueron un momento psicotrópico colectivo glorioso para la cultura occidental es algo de sobra conocido, las grandes obras cinematográficas, musicales y conceptuales que se generaron entre los habitantes de esos años están en el límite de lo comprensible, son extraordinarias.

Desde per(r)ucho nos hemos propuesto investigar algunas de ellas desde una óptica un tanto demencial: usar como foco La Zona de Stalker, utilizarla como vínculo metafórico y guía para el descubrimiento de algunas estructuras subyacentes que dominaron las mentes creativas de esos años.

Investigar la presencia de Tarkovski en occidente, su percepción entre la bruma que supuso el telón de acero, las implicaciones que tuvo su presencia entre aquellos que supieron de él, entre aquellos que vieron sus películas, ha supuesto un reto fantástico del que no sé si hemos salido airosos.

Por suerte o por desgracia, a medida que avanzaba la investigación, también lo hacía nuestra memoria. Los recuerdos que almacenábamos no de esa época pero sí de un pasado que, de alguna manera, se iba entrelazando, no sólo con las hipnóticas imágenes de Tarkovski, sino también con el rugido de los Zeppelin y la bruma de un Londres fantasmagórico que, durante un tiempo en el que aún había rastros evidentes de los 70 en sus calles, tuvimos la suerte de habitar.

The 70’s The zone son muchos libros fragmentarios que se unen en un mapa situacionista, zonas que se conectan en la metazona gigante que fueron los 70, una zona formada por conexiones imposibles entre secuencias de El Espejo y No Quarter de los Zeppelin, entre libreros oculistas de Manhattan y magos improbables de las montañas de Georgia. Un laberinto atestado de ingenieros de sonido, fotógrafos atormentados, escultores muy serios, cineclubs infestados de humo, revistas gloriosas, conciertos multitudinarios, punks, heavies y cinéfilos. Toda una multitud incoherente que, sin embargo, habitaba bajo la misma frecuencia vital, bajo un mismo y brillante rugido.

Mirar a la cartografía desde las disidencias sexuales posibilita un proceso de resignificación que habla en otros términos, trata otros territorios y rompe con los ideales hegemónicos de lo cartográfico. Este eje atraviesa el trabajo de lxs tres autorxs participantes, para encontrar un potencial que permita cuestionar, remover e imaginar otras vivencias posibles. Esto significa dar cuenta de lo subjetivo y activar herramientas que denotan una voluntad política. Y es que tratar otro tipo de experiencias que se alejan de la norma requiere otras formas de hacer que posibilitan nuevos imaginarios pero no olvidan las relaciones de poder y las desigualdades que los inscriben. En definitiva, demuestran que podemos hacer cartografías en nuestros propios términos. Los trabajos de Kyle Lasky (Lesbian Bedrooms II), nucbeade (Lesboanimitas) y Lucas Larochelle (qt.bot) están construidos con argamasa de memoria colectiva, experiencias personales, deseos entrelazados y relatos ficcionados. Hacen referencia a las diferentes formas de vivir y habitar el espacio a través de testimonios, fotografías u otros registros que cuentan historias; historias que hablan desde la memoria, la intimidad y la ficción, desde lugares de resistencia y de vulnerabilidad.

Looking at cartographies through sexual dissidence facilitates a process of resignification that speaks in other terms, deals with other territories and breaks away from the hegemonic ideals of cartography. These are maps that do not intend to be utilitarian objects, but rather an exchange of perspectives and experiences around other ways of thinking of and occupying space. Being critical of hegemonic cartography entails questioning the forms of representation that are characterised by fixed categories of analysis. A non-representational cartography is interested in that which is not palpable; the invisible, the affectionate, the performative, the virtual and the fictional. These cartographies are born out of a curiosity to generate other spaces and other norms while creating and looking for other codes and other ways of narrating. The cartographies by Kyle Lasky, Lucas LaRochelle and nucbeade included here are cemented with collective memory, personal experiences, intertwined desires, and fictionalised accounts. They refer to the different ways of living and inhabiting space through testimonies, photographs or other records that tell stories; stories that speak from memory, intimacy, fiction, places of resistance and vulnerability.

PHOTOGRAPHERS
Aaron Ricketts (US) / Agostina Valle (AR) / Alessia Rollo (IT) / Alessio Maximilian Schroder (IT) / Alisa Aistova (RU) / Ana Vallejo (CO) / Andres Juarez Troncoso (MX) / Andrea Jarales (ES) / András Polgár (HU) / Andrés Jorgensen (AR) / Ariel Guisarri y Gisela Volá (AR) / Asadur Rahman (BD) / Benjamin Malvicino (AR) / Benjamin Pfau (DE) / Biniam Graffé (DE) / Carlo Rusca (CH) / Carol Espindola (MX) / Charles Park (US) / Daniel Mebarek (BO) / Daniel Rampulla (US) / Diana Puraite (LT) / Diego Moreno (MX) / Diego Nuñez (AR) / Dima Zharov (RU) / Domenico Camarda (IT) / Elea Jeanne Schmitter (FR) / Eliseo Tess (AR) / Eva Casanueva (ES) / Felix Marquez (MX) /Forest Kelley & Jorge Ureña (US) / Foto Estudio Luisita (AR) / Gabriella Achadinha (ZA) / Gloria Oyarzabal (ES) / Gregory Eddi Jones (US) / Harshini Karunaratne (LK) / Helena Roig (ES) / Hernan Kacew (AR) / Ian Lewandowski (US) / Ihar hancharuk (BY) / Isabella Melis (DE) / Jessica Marie Buie (US) / Joel Jimenez (CR) / Jomar Canales Conde (PR) / Juan Brenner (GT) / Julia Albrecht (DE) / Julia Sbriller & Joaquin Wall (AR) / Julieta Pestarino (AR) / Justin Clifford Rhody (US) / Katsu Naito (JP) / Karla Hiraldo Voleau (DO)(FR) / Kenny Lemes (AR) / Koral Carballo (MX) / Laura Born & Matthias Schneck (DE) / Luca Baioni (IT) / Luis Corzo (US) / Macarena Malaga Porris (AR) / Manuel Parra (MX) / Mara Sánchez-Renero (MX) / Marquitos Sanabria (AR) / Maria Sturm (RO) / Mariana Papagni (AR) / Marisol Mendez (BO) / Massimiliano Gatti (IT) / Matias Maroevic (AR) / Max Pinckers & Quinten de Bruyn (BE) / Maximilian Koppernock (DE) / Melba Arellano (MX) / Mia Song (US) / Milan Gies (NL) / Naguel Rivero (AR) / Nelson Morales (MX) / Nikolai Frerichs (DE) / Olga Tzimou (GR) / Orecchie D’Asino (IT) / Pablo Stettler (CH) / Paola Castelli (UY) / Paola Favoino (IT) / Paula Rae Gibson (GB) / Paz Errázuriz (CL) / Pilar Ordoqui (AR) / Quinceañera Archives by Samantha Cabrera Friend (US) / Raquel Bravo Iglesias (ES) / Robin Alysha Clemens (NL) / Samuel Zakuto (IL) / Sandra Gramm (DE) / Sebastian Gherre (CL) / Sebastián Alejandro Gallo (AR) / Selina Mayer (GB) / Shaun Lucas (US) / Shelli Weiler (US) / Simon Lehner (AT) / Sofía Finkel (AR) / Stanislava Novgorodtseva (RU) / Sunil Gupta (IN) / Tenayah Bowmer (AU) / Teresa Eng (CA) / Thales Pessoa (BR) / Tim Stürze (DE) / Veteranas and Rucas by Guadalupe Rosales (US) /Violeta Capasso (AR) / Yağız Yeşilkaya (TR)

Revista Balam is an independent contemporary photography magazine based in Buenos Aires, Argentina that shows images of emerging and established artists from Latin America and the rest of the world. It speaks issues related to minorities and dissent through its open call. Presenting here its latest issue N6 under the theme of MESTIZX. In this issue we come to expose the collective call of more than 100 authors from different parts of the world who explore, through their eyes, the advance of stocks in various political, social and cultural contexts of a world dominated and repressed by the heterosexual norm. We metaphorically reinvent the concept of MESTIZX from taking our bodies as a field and witness to the struggle and visibility of our decisions and ways of being, acting and loving. Photographers who cross borders to build and deconstruct the future panorama of photography.

La Perruque is a 1 × 90 cm-long magazine publishing nonstandard type specimens printed in the margins of regular documents.

La Perruque hacks unused paper surfaces from print shop production, so they become carte blanche for type designers instead of waste.

Each issue is a specimen of a typeface. All of them together draw the portrait of a contemporary typography scene. La Perruque showcases experimental typography projects. It is also a place for type manifestos and in-progress fonts.

Besides being an online archive of the magazine issues, www.la-perruque.org also gives access to the font design processes documented by the type designers themselves.

“A ‘homer’ [«perruque» in french] is an artifact that a worker produces using company tools and materials outside normal production plans but at the workplace and during workhours. Despite legal, artistic and ethnographic evidence of their existence, silence surrounds [perruques]. […] this silence is not linked just to the marginal and illegal quality of these artifacts. [Perruques] shed light on a high degree of ‘complicity’ between employees regardless of their position in the hierarchy.” Michel Anteby, “Factory ‘homers’: Understanding a highly elusive, marginal, and illegal practice“, in Sociologie du travail, 45, 2003, p. 453.

The magazine is now published by Surfaces Utiles, a publishing house runned with a similar mindset, trying to publish parallelepiped books through these non-standard production methods.

In recent years the work of Margarito Dela Guetto has been mostly known for Polaroid photography.

In this publication, we find a more intuitive and unconscious work, less premeditated, that brings us closer in a certain way to his curiosities and everyday experiences. In this way, he takes up the format with which he began in photography and that little by little regains importance in his visual repertoire.

Color photos, black and white, double exposures… but everything, in 35 mm.

Ikebana significa el camino de las flores, es una técnica floral efímera en la que las plantas son las protagonistas. Para su práctica es necesario estar conectado con el entorno que lo rodea, alejarse de toda distracción y concentrarse unos momentos en la observación de los detalles de la naturaleza. Por tanto, el tiempo que se dedica en crear las composiciones se convierte en un periodo de reflexión.

Este proceso está intrínsecamente ligado a nuestra filosofía y nuestra concepción del proceso creativo:

Creemos en el valor artesanal como antídoto a muchos de los males de nuestro mundo actual. Apostamos por el consumo consciente y,  al mismo tiempo, por piezas portadoras de la esencia de la persona que ha dedicado sus conocimientos y esfuerzo a realizarlas.  Y, por último,  es totalmente crucial para nosotras la apuesta decidida por la belleza como transmisora de nuestros valores y como reflejo de nuestra visión del mundo.

Ikebana II ha sido desarrollado en Las Islas Canarias, a través de la exploración de su paisaje y realizado completamente con plantas y vasijas encontradas o recolectadas. Fotografiado en analógico, serigrafiado y encuadernado a mano. 

Durante su investigación sobre el monasterio de El Escorial, David Bestué comprobó, al explicar a otras personas aspectos que iba descubriendo, que pocas lo habían visitado y que quienes lo habían hecho tenían recuerdos confusos. O bien parece que no haya nada que decir, o bien se cae en la exaltación patriótica y en el relato de sus anécdotas y curiosidades. En ocasiones, es visto como una maldición, el residuo de algo que no termina de desaparecer; en otras, sin embargo, como una suerte de despensa de las esencias vivas de España.

Este texto pone en duda los valores invariables que sustentan el «macizo de la raza». Se habla del gobierno belicoso y autoritario de Felipe II, de la sustracción americana, de la deuda, de los periodos de gloria y abandono del edificio, de sus sucesivos incendios, saqueos y reconstrucciones. Como un cáliz que se llena o se vacía acorde a la situación de España y a la consideración cambiante hacia la religión, el ejército y la monarquía. Más que una piedra lírica, eterna, muda e imperturbable, el monasterio es la caja negra del país, un mecanismo que registra sus sacudidas, aunque estas intenten ser ocultadas; el símbolo de algo que se cree permanente, central, hegemónico; una estructura física e ideológica.

David Bestué (Barcelona, 1980) es un artista que trabaja la escultura y la escritura. Entre sus exposiciones individuales destacan Realismo, La España moderna y, en el Museo Reina Sofía, Rosi Amor, una investigación material y formal inspirada en los barrios madrileños de Las Tablas y Vallecas, así como en el monasterio de El Escorial, escenario recurrente de sus intereses en los últimos años. En Caniche ha publicado Historia de la fuerza (2017), un repaso visual por la evolución técnica, material y estructural en España, a partir de la historia moderna de su ingeniería.

“Bouquet” es una posterzine imprimida en risograph. Es concebida como un ramo de flores que no tiene pétalos, sino pàginas de papel.

La zine está doblada y encuadernada con un elástico, como si fuera una tarjeta de felicitación o una carta de amor.

¡Deja de recoger las flores! Mejor regala una zine a tu mamà o a tu novio.

Fantasmita eres pegamento se adentra en la dimensión social de los sueños, el mito, la fantasía, la fe y el universo infantil. La fecundidad rara y expansiva de estos mundos sirve de punto de partida para explorar maneras de lidiar con el trauma, entender la relación con el cuerpo o con la muerte y contemplar la aparición de una fertilidad queer. Su atención a las estructuras repetitivas —muchas de ellas sustraídas de la tradición oral, de nanas y de ritos religiosos— invitan a repensar la capacidad que tienen la serialidad y la acumulación para generar significados más allá de los marcos de referencia lingüísticos con los que normalmente operamos.

Leticia Ybarra (Madrid, 1991) es una poeta que desarrolla su práctica tanto en la escritura como en la creación plástica y el comisariado. Forma parte del programa de estudios Gear With Petals, de Hangar (Barcelona), y es cofundadora, junto a Beatriz Ortega Botas, del proyecto de poesía Juf. Su trabajo más reciente ha podido verse en Lifting Belly (CentroCentro, 2020); this light, toxic (Intersticio, Londres, 2020); pen pressure: a show of poetry, fantasy and faith (Yaby, Viena, 2020), y en Pfeil Magazine (2021) o This is Jackalope (2019). En La Casa Encendida ha comisariado el festival Gelatina o el ciclo Atravesar el bosque encantado.

Cuando por circunstancias personales el fotógrafo Agus Bres se vio obligado a volver a vivir en la casa familiar inició una investigación visual sobre su entorno cercano. Su estrategia fue mirar a los paisajes de su infancia y juventud casi con los ojos de un forastero y combinar esas imágenes con fragmentos de su vida pasada, objetos encontrados por el camino y la misma tierra que conforma esos lugares.

El resultado es ‘tierra’, una publicación de 36 páginas que transita entre lo poético y lo descarnado. Un artefacto visual en el que indaga sobre conceptos como la construcción de la identidad y nuestra relación con lo cotidiano cuando lo miramos con otros ojos.

“tierra” es la primera publicación de Varios Fuegos Pequeños.

Varios Fuegos Pequeños no es una editorial ni un colectivo, pero edita publicaciones de fotografía y es un grupo de fotógrafos.

Iniciado por los fotógrafos murcianos Gustavo Alemán, Agus Bres y Amelia García, que a su labor fotográfica añaden experiencia en la gestión, la formación y la edición, pretende convertirse en una red de autores periféricos que desarrollen proyectos y acciones fotográficas diversas. Modestia, sostenibilidad y la creación de lazos entre iniciativas fotográficas de extrarradio son algunas de sus señas de identidad.

Varios Fuegos Pequeños forman una hoguera.

Artificial intelligence can write passable poems, as attested to by the title of this issue. Discarded computer parts may contain the possibility of reincarnation for old data. Our deceased loved ones appear to us on social media as we struggle to influence their digital afterlives. 

Death is not merely a private topic, however painful it might be for the lives of individuals. That makes it all the more a political question, though it is often excluded from public debate. We can no longer avoid it, particularly as our civilisation is undergoing radical changes, one of them being the establishment of massive digital networks that influence the reality of life on Earth.

I laugh to see myself so beautiful in this mirror is a collection of four zines inside of a box.

The first three zines are experiments where the author explores the possibilities of the comic language using the cut-up technique and the Tintin comics as a mixing board. The last one is an interview with the author.

This series of zines are part of his Ph.D. in LUCA Ghent, where he researches the comic language.

La erección de un cenotafio digital surge de la idea de conmemorar a los desaparecidos virtuales: las imágenes pasadas, aquellas dejadas atrás, enterradas y olvidadas en el e-archivo. Con este monumento de muerte, este cenotafio, se conmemora y honra la ausencia de la imagen digital. Una ausencia generada por su propia superproducción y abundancia. A lo largo de este ejercicio literario se levantan una serie de preguntas, con respuestas más o menos afortunadas: ¿dónde acaban las imágenes basura, tal y como las ha denominado Hito Steyerl?

¿Cuál es la relación entre la producción de imágenes digitales y la emergencia climática? ¿Cuánto espacio físico ocupa internet y los cuerpos digitales sepultados? ¿Qué relación ostenta la memoria y el archivo digital? ¿Puede la imagen digital servir de memoria o su entierro representa el olvido? ¿Cómo afecta la imagen a la realidad paisajística y en qué medida altera su aspecto físico?

Contribuyen con una sere de ensayos: Rodrigo G. Marina, Elizabeth Duval, Gabriel Alonso, Burr Studio, Carolina Puigdevall y Emmanuel Álvarez.

Editado por Lava Art Project (Paula Ramos Mollá + Belinda Martín Porras)

Además, esta publicación se presenta también a modo de catálogo de la instalación “Zona Cero: Cenotafio Digital” de Yosi Negrín en el Espacio Cultural El Tanque, 2021.

112 pages, 50 Illustrations
Paperback. 15 × 20 cm
2020, 978-84-122124-1-9
English and Spanish.
Price: 30 € (TAX incluided).
300gr.

A stepwell, locally called a ‘vaav’, is a type of subterranean water architecture that is prevalent in the Indian subcontinent. It attained unsurpassed importance in the semi-arid regions of western India

Stepwells of Ahmedabad is the culmination of five years of research undertaken by a collective of architects from India. Their research documents the magnificent water structures that are found in and around the city of Ahmedabad. Rather than being just an architectural catalogue, this book aims to present a deeper understanding of the intrinsic social and ecological relationships related to these stepwells and their current condition in the city of Ahmedabad. This edition also sheds light on the lesser-known history of the roles played by women as patrons and users of these fascinating structures.

Texts: Tanvi Jain, Priyanka Sheth, Aashini Sheth.
Research: Riyaz Tayyibji, Priyanka Sheth, Tanvi Jain, Aashini Sheth.
Photography: Karan Gajjar, Malay Doshi
Drawings: Tanvi Jain, Priyanka Sheth, Aashini Sheth, Neel Jain, Malay Doshi.
Edition: Calmo / Sofía Romeo
Design: Miguel Sotos, Carlota Álvarez
Translation and proofreading: Almudena Valdés de Anca

Tómese su tiempo es un breve remedio autoeditado, una solución natural contra los tiempos que corren.

Y recuerde, con una toma diaria notará grandes mejoras en su estado de ánimo y salud.

pregón de las patrias (abril 2021) es la cuarta entrega, en formato libro de artista, de una investigación experimental sin ánimo de lucro en torno a los actos que el Poder ofrece de sí mismo a través de sus palabras e imágenes a manos de Isaías Griñolo y publicadas en Concreta. También es una reflexión acerca de la promulgación, la construcción del discurso y la liturgia, y de sus manifestaciones performativas, poéticas y semánticas. Es un proyecto impulsado por el ICAS en el marco de la exposición Memoria del presente, comisariada por Joaquín Vázquez – BNV Producciones, que tuvo lugar en la Sala Atín Aya de Sevilla entre noviembre de 2020 y marzo de 2021. En línea con los tres volúmenes anteriores (romances de las plazas, debla de la noche y martinete de las calles), Griñolo plantea un ejercicio a modo de collage que hibrida materiales procedentes de medios diversos con contribuciones de artistas y poetas. Isabel Martín comparte Nosotras las histéricas. Enrique Falcón despierta España en el subsuelo de la calma. Alice Creischer y Andreas Siekmann presentan Tres urracas y Jorge Riechmann propone No construyáis estatuas. El recorrido que se da entre arte y política, realidad o ficción, obra o documento define una idea de arte que Griñolo trata de disputar. Su aproximación a la poesía vuelve a la raíz de lo que nombra para, asimismo, tomar partido y defender con ahínco aquello que, en su elogio, deja fuera.

El Corazón es un trabajo visual acerca de los cuentos y otros relatos, donde se explora la capacidad de las palabras para generar imágenes. Asimismo, analiza cómo a través de la representación simbólica se abren nuevos espacios de reflexión y consciencia sobre lo que nos rodea. Gestos, formas, escenas y paisajes quedan transformados en herramientas de resolución y adaptabilidad a los conflictos universales inherentes a la existencia.

Like Stains of Red Dirt reúne una serie de momentos que dan cuenta de la experiencia de un lugar concreto. En este trabajo realizado después de vivir más de diez años en Johannesburgo, Sudáfrica, la mirada de Juan Orrantia se dirige hacia el interior. A través de la combinación de escenas espontáneas, intuitivas y otras construidas, el libro va desgranando momentos, gestos y objetos de su propia casa y de los alrededores. Su uso del color y de las sombras crea un lenguaje que nace de lo subjetivo, de la experiencia diaria y de la imaginación.

En un país marcado de tantas maneras por el color, las fotografías nos invitan a pensar en la superficie tanto como forma seductora, como ilusión. Estas sugieren emociones e inquietudes, así como la presencia de corrientes históricas, políticas y representacionales subyacentes que atraviesan el contexto en el que se han tomado.

This project by Iván Nespereira (Ourense, 1978) for Alauda Negra, “Bloque” is the seed of a major work based on his interest in our relationship with Stone as an element that has different interpretations and forms.  This publication provokes an imaxinary with a density of flux (proper or appropriate) in this game of dualisms and summons our gaze to penetrate the surfaces and ideas through the stone.

Para los Kaingang, synuin es algo bonito, es decir, algo que puede percibirse como bonito por la persona que lo recibe. Dzeeka en Baniwa se refiere a saber hacer, a algo que alguien puede hacer como resultado de una evolución de saber, aprendido de los más ancianos y que solo puede ser hecho por humanos. Ziapohaw, para los Guajajara, identifica el acto de hacer, provocar, crear, resolver. Mevi-revosh-showima-awe en Marubo es un trabajo hecho con la punta de los dedos. Yaimyxop, para los Tikmu’um o Maxakali, es un esfuerzo estético que produce eventos espirituales, constituidos por música y cantos, y con la presencia de personas-espíritu. Tembiapo, en Guaraní, es una práctica de hacer conectada con el arte y la memoria.

A veces no hay palabras para una práctica, porque esa práctica no existe, o no lo hace del mismo modo. Puede materializarse de modos similares a otra con ese nombre, hasta puede parecer que, por un momento, es la misma práctica.

Sin embargo, si la acompañamos durante el tiempo suficiente, o la consideramos en su complejidad, en su alcance e implicaciones, ese encuentro puede parecer apenas una coincidencia o, simplemente, irrelevante. Pero aún así, insistimos…

La palabra arte es persistente, sorprendentemente efectiva en su habilidad de atraer la atención, afectar procesos y motivar agencias. También en provocar irritación y hastío, principalmente por su obcecada voluntad de expansión, su espíritu colonial de crecimiento e incorporación.

En tiempos recientes, el arte y su sistema en Brasil volvieron su atención a los pueblos indígenas y sus producciones. No tanto a sus realidades o preocupaciones, sus demandas o incomodidades, sino a los objetos e imágenes que algunos de ellos producen, así como a ciertas narrativas y valores que su presencia evoca e invoca. «Arte indígena» se convirtió en un asunto, seguido, lentamente al comienzo, por «artistas indígenas» y, aún hoy incipientemente, «curadores indígenas». Ocupaciones y preocupaciones necesarias, deseadas e inevitables, que revelan un encuentro que puede ser celebrado, pero que no debe ser tomado como resuelto o definitivo.

Este número de Concreta intenta acercarse a algunos puntos de ese encuentro y, aún con mayor énfasis, caminar hacia otros lugares en los que las trayectorias se bifurcan y apuntan a un exceso: un exceso que es tan, o más relevante, que los encuentros. Para traer aquí esos acercamientos, invitamos a personas que los realizan profesional y vitalmente en diferentes territorios de América Latina y España. La mayoría en Brasil, el territorio en el que vivo hace aproximadamente ocho años, pero también en Bolivia, Chile, México y Guatemala: países en los que un proceso colonial de más de quinientos años no consiguió eliminar impulsos y prácticas de creación y recreación tan o más persistentes que esa palabra con la que comenzamos.

Desde plataformas institucionales o de gestión autónoma, desde posiciones colectivas o aproximaciones individuales alimentadas por la tradición, indígenas y no indígenas, las personas que contribuyen a este número muestran en su trabajo y vida voluntad de contacto, sin necesidad de suponer una autonomía que salvaguarde la práctica. Es difícil ofrecer una síntesis, tal vez porque no se trata de llegar a un común sino a una abertura. Tal vez el único común posible aquí sea una pregunta que sirva de comienzo, que fuerce un ejercicio, que demande una reflexión con consecuencias sobre las estructuras: para que ese contacto acontezca de una manera que el arte y sus sistemas no subsuman, agoten o desanimen las prácticas que procura encontrar. ¿Qué debería cambiar en ese sistema? ¿Qué métodos, palabras, suposiciones, actitudes y deseos precisan mudar para que el encuentro no sea, de nuevo, abusivo y violento, para que no sirva solo a una parte?

Las historias, imágenes, narraciones y perspectivas que siguen no son instrucciones. Sin embargo, contienen herramientas y ejemplos, impulsos y visiones que nos apuntan hacia algunas respuestas.

Pablo Lafuente (Santurtzi, 1976). Escritor, editor y comisario de arte que vive en Río de Janeiro. Fue cocurador da 31a Bienal de São Paulo (2014), del proyecto de investigación y exposición Zarigüeya / Alabado Contemporáneo (Museo de Arte Precolombino Casa del Alabado, Quito, 2015-20), de las exposiciones Dja Guata Porã : Rio de Janeiro Indígena (Museu de Arte do Rio, Río de Janeiro, 2017-18) y Sawé : Liderança Indígena e a Luta pelo Território (Sesc Ipiranga, São Paulo, programada para 2021). Fue coordinador del Programa CCBB Educativo en el CCBB, Rio de Janeiro (2018-20) y, desde septiembre de 2020 es director artístico del Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio) junto con Keyna Eleison.

Idioma: Español
Páginas: 338
ISSN:2254-9757
Tamaño: 230 x 150 mm
Edición: 1500 copias
Año: 2020

Un joven español llega a Berlín en busca de trabajo. Por la noche pone copas en un bar marica y por el día intenta escribir la historia de su abuela, que también vivió en Alemania hace muchos años.

La voz de la anciana en la grabadora lo devuelve al pueblo manchego en el que se crio de niño. Cuando eres un niño marica no te puedes defender, porque todo el pueblo lo sabe antes de que tú lo sepas. Lo mejor es escapar, no te enfrentes a ellos, le dice su abuela. Ella también escapó hace muchos años. Huía de la violencia, en diferentes circunstancias, y también como él intentaba buscarse la vida.