Art 50 Publications in Random Order

THE BEST FROM THE WEST – Andrey Kasay

This is a collection of the best works by Andrey Kasay, a Russian visual artist based in Moscow, by the summer of 2019. His metaphoric, surreal and crazy illustrations and animated videos are based on a satiric look at contemporary society. Since 2010 he took part in various group exhibitions and had solo shows in Europe, Asia, North and South America. He worked with brands like MTV, Nike, Red Bull, CNN, Washington Post, New Yorker, Adidas; and was featured by VICE, WIRED, Juxtapoz and It’s Nice That. 170 x 230 mm, 200 pages Edition of 300 copies ISBN 978-989-54589-1-2 Stolen Books // Published March 2020

THE TREE AS AN ANTENNA TO A SPIRITUAL REVOLUTION – Mantraste

“I wanted to pay homage to all the trees for a long time, so I picked sticks in my village, drew the memories of my childhood by sight and crumpled the paper pulp that shaped the fruits of my spirit. How many have found enlightenment through a tree?” 190 × 250 mm 32 pages 2 color risography printing on Fedrigoni Arena Rough 90g paper. 2 color silkscreen cover printed by Telmo Chaparra (Stolen Prints) on Pop Set Fawn 170g paper. Each copy comes with a 2 color risograph print by the artist, size approx. 300 x 410 mm, printed on Munken Print White 90g. Limited edition of 100 copies, signed and numbered.

SOLIN SALA RA – Manuel Donada

It is not talking about the origin of this book, because this book, infinite, varied, diverse, always similar and always different, perpetual and changing, has existed from all eternity. Nothing has been discovered, everything has been found. But in the heart of this artifact everything changes, everything is transformed, everything evolves. These pages have not existed at any time or any place, the message itself has an origin and the magic emanating from each of its pages can never be trained. At this point, there is nothing to do. It would be lovely to wait for the revolution of an admirable science. This book is dedicated, in part, to all those punks of sectarian mentality and false morals, those who feed the annihilation of the individual and those who are part of a camouflaged class, who die of fear and grief with the idea of being isolated. To all those who do not violently reject the supporters of an absurd and pestilent elite. To the loose dogs of abstract camaraderie that obstructs the spiritual, individual and cosmic revolution. To the victims of the revolution block, accomplices of permanent repression, duck-faced corpses and wild manners, all obstacles of the universal protest. 245 x 310 mm, 96 pages 978-989-54589-2-9 Stolen Books

As an excerpt as well as a continuation of her show “No habrá servicio los domingos ni en el cumpleaños de la Reina Victoria” at the Academy of Media Art Cologne (2016), Nieves de la Fuente Gutiérrez collages landscape photography, mars rover selfies and screenshots of game engine generated images, blurring the distinctions of their physical and digital origins, addressing the materiality of virtuality. Superimposed by text fragments on the anthropology of precious metals and the ethics of terraforming mars, fictional and nonfictional merge into a state of immediate fuzziness, questioning perceptions as well as the possibilities to communicate within contemporary imagery and content.

Nieves de la Fuente Gutiérrez, born 1988, lives and works in Cologne and Madrid.

Editorial portfolio for the photographer Mark Yareham, which collect, his work from recent years. [210 x 297 mm]. → Contact @enric.pe for buy it.

NXS #4 Algorithmic Anxiety explores the spectrum of algorithmic authority over our lives (whether perceived or not). The contributors question or reveal the inconspicuous influence of algorithms, in their various forms, on our behavioral patterns, emotions, and self perceptions of our position in the world.

Are algorithms really rational and only virtual? Are they better than we are in drawing up a reflection of ourselves? Can they predict our future selves? The intangibility and unclarity of the effects of algorithms on our lives can lead to the uncanny feeling of a loss of control, a sense of frustration and anxiety. Are we at risk of losing our agency to act and think, of being increasingly controlled and programmed through social credit systems, surveillance, and Big Data rankings? Are we on the path towards digitally structured totalitarianism? Control, as well as influence, over future decisions and actions, are after all the goal of pre-emptive algorithmic systems and forms of government. What does that mean for the conception of the autonomous self?

With contributions by:
Arnar Ásgeirsson
Crosslucid
Julie Czerneda
Simon Denny
Ariana Dongus
Wesley Goatley
Quentin Gomzé
Benjamin Edgar Gott
Normunds Grūzītis
Abby Jame
Gwyneth Jones
Colin Koopman
James Massiah
Vector Newman
Nathalie Nguyen
Sabrina Scott
Nishant Shah
Jaeho Shin
avoidstreet
Viktor Timofeev
Veronika Vidø
Coralie Vogelaar

La erección de un cenotafio digital surge de la idea de conmemorar a los desaparecidos virtuales: las imágenes pasadas, aquellas dejadas atrás, enterradas y olvidadas en el e-archivo. Con este monumento de muerte, este cenotafio, se conmemora y honra la ausencia de la imagen digital. Una ausencia generada por su propia superproducción y abundancia. A lo largo de este ejercicio literario se levantan una serie de preguntas, con respuestas más o menos afortunadas: ¿dónde acaban las imágenes basura, tal y como las ha denominado Hito Steyerl?

¿Cuál es la relación entre la producción de imágenes digitales y la emergencia climática? ¿Cuánto espacio físico ocupa internet y los cuerpos digitales sepultados? ¿Qué relación ostenta la memoria y el archivo digital? ¿Puede la imagen digital servir de memoria o su entierro representa el olvido? ¿Cómo afecta la imagen a la realidad paisajística y en qué medida altera su aspecto físico?

Contribuyen con una sere de ensayos: Rodrigo G. Marina, Elizabeth Duval, Gabriel Alonso, Burr Studio, Carolina Puigdevall y Emmanuel Álvarez.

Editado por Lava Art Project (Paula Ramos Mollá + Belinda Martín Porras)

Además, esta publicación se presenta también a modo de catálogo de la instalación “Zona Cero: Cenotafio Digital” de Yosi Negrín en el Espacio Cultural El Tanque, 2021.

[EN]

8.00 AM / 15.00 PM explores the physical structure of printed matter. The title represents the time difference between Mexico City and Madrid, the two places where the artist lives. Luis Úrculo uses the publication’s construction as a physical manifestation of the temporal divide between the two cities. Objects are bent, mirrored, broken, or otherwise altered by passing through the center of each spread—breaking the illusion of synchronous existence.

[ES]

8.00 AM / 15.00 PM indaga la estructura física del artzine. El título representa la diferencia horaria entre la Ciudad de México y Madrid, los dos lugares donde vive el artista. Luis Úrculo utiliza la propia anatomía de la publicación como una manifestación física de la brecha temporal entre las dos ciudades. Los objetos son doblados, reflejados, rotos, o alterados de modo que al pasar por el centro de 8.00 AM / 15.00 PM se rompa la ilusión de una existencia sincrónica.

Durante su investigación sobre el monasterio de El Escorial, David Bestué comprobó, al explicar a otras personas aspectos que iba descubriendo, que pocas lo habían visitado y que quienes lo habían hecho tenían recuerdos confusos. O bien parece que no haya nada que decir, o bien se cae en la exaltación patriótica y en el relato de sus anécdotas y curiosidades. En ocasiones, es visto como una maldición, el residuo de algo que no termina de desaparecer; en otras, sin embargo, como una suerte de despensa de las esencias vivas de España.

Este texto pone en duda los valores invariables que sustentan el «macizo de la raza». Se habla del gobierno belicoso y autoritario de Felipe II, de la sustracción americana, de la deuda, de los periodos de gloria y abandono del edificio, de sus sucesivos incendios, saqueos y reconstrucciones. Como un cáliz que se llena o se vacía acorde a la situación de España y a la consideración cambiante hacia la religión, el ejército y la monarquía. Más que una piedra lírica, eterna, muda e imperturbable, el monasterio es la caja negra del país, un mecanismo que registra sus sacudidas, aunque estas intenten ser ocultadas; el símbolo de algo que se cree permanente, central, hegemónico; una estructura física e ideológica.

David Bestué (Barcelona, 1980) es un artista que trabaja la escultura y la escritura. Entre sus exposiciones individuales destacan Realismo, La España moderna y, en el Museo Reina Sofía, Rosi Amor, una investigación material y formal inspirada en los barrios madrileños de Las Tablas y Vallecas, así como en el monasterio de El Escorial, escenario recurrente de sus intereses en los últimos años. En Caniche ha publicado Historia de la fuerza (2017), un repaso visual por la evolución técnica, material y estructural en España, a partir de la historia moderna de su ingeniería.

El “Ferviente Manifiesto” de Mercedes Villalba, define el momento actual como tiempos de resistencia. Villalba utiliza el ejemplo de resistencia de la naturaleza como inspiración para nuestra propia resistencia. Observando la fermentación y los hongos, ejemplos de cómo cada superficie “rebosa de vida y tiempo”, admira la negativa de la naturaleza a quedarse quieta.

‘Feminisms’ (as a plural) is widely used today to draw attention to inequalities and to critique the status quo in limiting women’s roles/ positions/ lives/ potential. Art can offer a vision of future worlds, manifesting a desire for projecting change, playing with existing realities and conventions. Feminist Art Artivism and Activism, two sides of the same coin, arise where art approaches, develops or transforms into activism and vice versa, where activisms become artivisms. In both, art emerges in differing forms of political intervention, at both an individual, shared or collective level, apparent in actions, events, identifications and practices.

This volume wants to reveal the diversity of these practices and realities. Representing a range of critical insights, perspectives and practices from artists, activists, curators, academics and writers, it explores and reflects on the enormous variety of feminist interventions in the field of contemporary art, social processes, the public sphere and politics. In doing so, Feminist Art Activisms and Artivisms touches upon broader questions of cultural difference, history, class, economic position, ecology, politics, sexual orientation, and the ways in which these intersect.

Richly illustrated with c. 300 black and white illustrations and photos.

This is the first volume in the new PLURAL series. The series focuses on how the intersections between identity, power, representation and emancipation, play out in the arts and in cultural practices. The volumes in this series aim to do justice to the plurality of voices, experiences and perspectives in society and in the arts and to address the history and present and future meaning of these positions and their interrelations. PLURAL brings together new and critical insights from artists, arts professionals, activists, cultural and social researchers, journalists and theorists.

Blank Books is a tribute to Ulises Carrión

SABAT is a three-issue magazine (The Maiden Issue, The Mother Issue & The Crone Issue), fusing witchcraft and feminism, ancient archetypes and instant art to paint a portrait of and offer insight into what the occult means today.

“Satanic feminism, esoteric influences on high fashion and celebrating the darker side of being a woman: just a few things to be spellbound by in biannual magazine Sabat.” – VICE

“Sabat is a wizard of a magazine and it’s such an unexpectedly fantastic concoction. It brings together two interests of mine that I never thought would or could combine; witchy themes found in 90s TV shows like ‘Buffy’ and ‘Charmed’ on the one hand, and crisp design and typography on the other. You wouldn’t expect this combination to work, but it does.” – MAGCULTURE

All three issues available to purchase through our website!

TAMBOURINE is an online platform established for the promotion and distribution of the independent magazine scene. Its aim is to decipher the role of printed matter in contemporary culture, as well as provide its readers with the latest magazine releases, connecting the digital community with the highest quality printed matter goods.

Me parece muy sugestivo tu propósito de buscar en la abundancia de la casa Cerralbo los errores más interesantes, las incongruencias, lo ausente, precisamente lo que falta. Ese interés lo asocio a un vago y antiguo deseo tuyo de desaparecer. Deseo paradójicamente asociado a tu hiper-presencia: cuanto más desapareces, más estás. El anhelo de la desaparición era una forma tuya de estar, de super-estar… de superstar.

Si en lugar de ir a París, finalmente, al estilo de Herzog, vas caminando al Cerralbo a ver las obras de Santomá, yo te acompañaré, tenlo por seguro. A ti te cae a la vuelta de la esquina. Y a mí más lejos, pero desde mi poblado, puedo llegar a caballo, buscando el ritmo del Jinete de Moreau.

Guillermo Santomà is an artist based in Barcelona. In a few words, he could be described as being interested in how a space is affected by the production of elements vaguely similar to furniture as well as by chromatic interventions. It seems that the force that motivates his interest in the house of the marquis is driven by the question: how does the social space of a reactionary mind look? The question is a sensitive one because we tend to ascribe the practice of art to liberal values, even though there are plenty of historical examples of artists who by no means share such principles. Yet Santomà’s intervention adds another twist: the artist is not only interested in how politics shapes character and how character shapes taste, but also how, then, taste shapes the body. Do ultra-conservatives sit in chairs similar to the liberals’?

I read his insistence on placing his work there as act to study the nature of transformation, of the relation between human agency and power, as well as nature (present in all the materials) and technology (as in all of us in relation to the space and its objects). The different works he decided to introduce in the palace act as the containers of the main problem the house and its past poses to us and our time: the importance of the simultaneous representation of existing and non-existing phenomena. How can art or an artwork sustain a double vision between the tangible and the intangible?

Does anybody know if the toilets at the palace of Cerralbo are gender neutral?

Un conjunto de capas y capas de literatura oblicuas y entrelazadas a cargo de Chus Martínez, Ignacio Vidal-Folch, Enrique Vila-Matas así como del propio Guillermo Santomà. Todo ello acompañado de las fotografías de José Hevia y Rafa Castells que documentaron la intervención que tuvo lugar durante 2019 en el Museo Cerralbo de Madrid producida por Side Gallery y Etage Projects.

C19 es una selección de dibujos que provienen de otros dibujos a través de las páginas de un cuaderno. Una comunidad de líneas.

C19 is a selection of drawings coming from other drawings through the pages of a sketchbook. A community of lines.

This publication is based on a conversation between Félix Navarrete, Sun Chang and Sara Santana López. While talking, the conversation was visualised in a collective thought mapping centered around the question – “What is the essential feeling of being together?”. Without being comprehensive, we hope for this publication to work as a bridge between us three and those who are reading, so that the conversation we held might keep on growing through your interpretation.

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Esta publicación está basada en una conversación que mantuvieron Félix Navarrete, Sun Chang y Sara Santana López. Las reflexiones que surgían mientras hablaban se iban plasmando al mismo tiempo en un mapa visual alrededor de la pregunta “¿Cuál es la esencia del sentimiento colectivo? [¿Cuál es el sentir esencial cuando sentimos estar juntos?] Sin ánimo de ser totalmente comprensibles, esperamos al menos que esta publicación sirva como puente entre nosotros tres y aquellos que nos leen y así, aquella conversación que tuvimos pueda seguir creciendo a través de su interpretación.

Throughout recent months our realities have changed drastically, with the coronavirus taking centre-stage in the quarantine world tour that has so quickly made its way across the globe.

And with every tour comes its accompanying merchandise (even the uncomfortably apocalyptic science-fiction ones). In the hopes of producing something positive from a situation so negative, and of coming together in times that pull us apart, this t-shirt – now available on @everpresshq – was designed in collaboration with Pedro Mata Nogueira → 31,00 €.

Available until May 12

Nuevos Formatos, Nuevos Imaginarios explora cómo los nuevos procesos, formatos y contextos de producción de conocimiento, arquitecturas, información o verdad, plantean nuevos interrogantes que han de ser abordadas desde las prácticas espaciales críticas. Imágenes pobres, circulacionismo, memes, arquitectura forense, resurrección biológica, arquitecturas del simulacro, xenofeminismo…

Situándose a caballo en un mundo entre lo físico y lo digital, reclaman nuevas estéticas y nuevos imaginarios. ¿Han democratizado el acceso a ciertas discusiones o por el contrario privilegian a unos pocos? ¿Han sido capaces de construir nuevas estéticas a través las cuales interrogar nuevas realidades y conectar con otros receptores? ¿Es posible repensar hasta qué punto los medios y mecanismos utilizados en la actualidad están condicionando nuestras prácticas espaciales? O, pensémoslo al revés, hasta qué punto las nuevas sensibilidades, preocupaciones y agencias arquitectónicas deben encapsularse en formatos superados o requieren de nuevos mecanismos capaces de visibilizar estas nuevas prácticas. 

Que los años 70 fueron un momento psicotrópico colectivo glorioso para la cultura occidental es algo de sobra conocido, las grandes obras cinematográficas, musicales y conceptuales que se generaron entre los habitantes de esos años están en el límite de lo comprensible, son extraordinarias.

Desde per(r)ucho nos hemos propuesto investigar algunas de ellas desde una óptica un tanto demencial: usar como foco La Zona de Stalker, utilizarla como vínculo metafórico y guía para el descubrimiento de algunas estructuras subyacentes que dominaron las mentes creativas de esos años.

Investigar la presencia de Tarkovski en occidente, su percepción entre la bruma que supuso el telón de acero, las implicaciones que tuvo su presencia entre aquellos que supieron de él, entre aquellos que vieron sus películas, ha supuesto un reto fantástico del que no sé si hemos salido airosos.

Por suerte o por desgracia, a medida que avanzaba la investigación, también lo hacía nuestra memoria. Los recuerdos que almacenábamos no de esa época pero sí de un pasado que, de alguna manera, se iba entrelazando, no sólo con las hipnóticas imágenes de Tarkovski, sino también con el rugido de los Zeppelin y la bruma de un Londres fantasmagórico que, durante un tiempo en el que aún había rastros evidentes de los 70 en sus calles, tuvimos la suerte de habitar.

The 70’s The zone son muchos libros fragmentarios que se unen en un mapa situacionista, zonas que se conectan en la metazona gigante que fueron los 70, una zona formada por conexiones imposibles entre secuencias de El Espejo y No Quarter de los Zeppelin, entre libreros oculistas de Manhattan y magos improbables de las montañas de Georgia. Un laberinto atestado de ingenieros de sonido, fotógrafos atormentados, escultores muy serios, cineclubs infestados de humo, revistas gloriosas, conciertos multitudinarios, punks, heavies y cinéfilos. Toda una multitud incoherente que, sin embargo, habitaba bajo la misma frecuencia vital, bajo un mismo y brillante rugido.

Entitled “Mixtape”, this catalogue brings together works by Dominique Hurth from 2008 to 2020. It comprises one text booklet with contributions by Daniela Cascella, Sonja Lau and the artist herself; one image booklet with 136 images from installation shots of Hurth’s work and one audio-tape (45-min each side) with recordings, music and sound material inherent to the research behind the works. The chosen format reflects on her interest in object-biography, technology and its history.

“We listened to historical recordings and futurist sounds, to tracks taking in everything from minimal wave and Detroit techno to hip-hop and chansons. We listened to the voices of the first speaking dolls that sounded like little monsters, to the voices of Sarah Bernhardt and Serge Gainsbourg as he burned a 500 Franc note on French TV. To Clarice Lispector as she lit a cigarette while being asked why she continued to write. We listened to music created in laboratories, music that was sent into outer space. We listened to lyrics and then languages and voices w couldn’t understand. Machine-generated sounds. Sounds created on celluloid. James Joyce reciting four pages of Finnegans Wake to Charles Ogden in the late 1920s. We listened to advertisements for vocoders and to music with vocoders as the primary transmitter of voice and the main musical instrument. We listened to France Gall singing — or rather, screaming — into the microphone at the Eurovisio Song Contest at the age of nineteen about being a doll made of wax and a doll made of sound. To a litany of okays sung by The Destroyer in a song by the Residents. To the breathing of Pauline Oliveros’s accordion. To the Holy Ghost in the Machine. To Minnie Riperton’s voice in the background, to atonal music, and to computer-generated hand claps. Electronic communication with the dead. Jazz.
A countdown to zero. We listened to beats.

The several hours of sound that we listened to eventually became two side of forty-five minutes each — Side A and Side B. Condensed and edited in this way, this mixtape actually conceals and contains several other mixtapes, recalling all the other tracks that burst out of the edges of the magnetic band.” (”Mixtape(s)”, D. Hurth, 2020)

It’s 2020 and our bodies are still political.

The 21st century still drags on with the same beauty standards of the last century. Those of a young, white, thin, ethereal and heterosexual woman. Beauty, or rather a  woman’s first commercial asset; is a passport to a happy marriage, professional success and social recognition. Both women and men are bombarded with an infinite amount of photoshopped images, which has alienated them and also driven them on a search for ideal beauty. This claustrophobic and impossible standard has only lead us to eternal comparison, frustration and levels of self-hatred. A blinded population starved by its regimes, which becomes terribly tractable and obedient.

Refusing the norm is to choose, as from the vulnerable side as the enthusiastic one, to be incorruptible, faithful to oneself, honest, punk in front of a capitalist system that fathers monstrous children of uniformity and consumerism, all made from the same postcolonial and patriarchal mould.

The artist refused the norm. She cherished and desired bodies of all ages, sizes, genders and colours, with intent to deconstruct beauty standards, beginning a quest for honesty, empowerment, acceptance and self-confidence, while gathering the words of her peers and taking a tender look at them.

These incorruptible bodies are a celebration of the diverse, the unlikely, the ambiguous, the androgynous, the non-obvious and the non-binary.

Les corps incorruptibles is a feminist, queer and anti-racist declaration of love.

Pdf de la traducción en castellano de los textos en nuestra web.

Just in case you don’t know him, Rosa von Praunheim (he took the artistic name of the pink triangle that homosexuals had to wear in Nazi concentration camps) is a prolific German film director and gay rights activist, became a cult figure in the early 70s. He was one of the initiators of the homosexual rights movement in Germany and an early advocate of AIDS awareness. A Queer Cinema and films focusing on LGBT+ issues pioneer, but he has been a controversial figure even within and out the gay community too.

And this is the book about his film ‘Death magazine: or how to be a flowerpot’. A film that was accompanied by a major scandal because the productor didn’t want the audience to see it. The film and the book are a documentary about “Death” magazine, founded by “Screw” Magazine founder and publisher Al Goldstein, and its eventual failure. Images about death, the tabooed part of life, like to sex, because we try to ignore both. The book shows living death as an important part of our life.

The photobook ‘Gibt es Sex nach dem Tode?’ Rosa brings death to life: trivial, banal, disrespectful, undignified, serious, sexy, happy and punk. From different supports we can meet face-to-face with the dead and all the clichés of the television and newspeper feature are gathered: interviews, statements, archive material, reportage with accidental deaths, mountains of corps from the concentration camp, executions, impaled heads, traffic fatalities…

A raw and different book with a great use of colour in this collage design!

El escultor Igan O. ha sido invitado a participar en un debate sobre el formalismo en un museo principal, un desnudarse ante público, colegas y críticos que lo enfrenta a su propia creación, a su práctica y a su historia —la pequeña pero fundamental historia de cada cual—, desde las experiencias preartísticas de la niñez y la adolescencia, cuando surgen las incipientes formas, en intimidad con la familia, la memoria, la identidad y la muerte.

En parte ensayo, ficción y autobiografía, Badiola despliega —ahora dentro del ámbito de la literatura— las maneras fragmentadas, acronológicas y, a la vez, intensas emocionalmente que han caracterizado el funcionamiento de la mala forma practicada a lo largo de los años en su trabajo como artista.

La compleja mirada del creador —interior y sobre su entorno— se sirve de una estrategia que lo oculta y a la vez lo expone: «Me di cuenta enseguida de que no estaba en disposición de mentir en forma de verdad. Pensé que para mí, y puede que para todos, resultara de mayor interés que me histerizase, intentando decir la verdad en forma de mentira».

TXOMIN BADIOLA  (Bilbao, 1957) es un artista de amplia trayectoria en el campo de las artes plásticas. Su obra ha sido objeto de varias retrospectivas, la última en 2016 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid. Ha compaginado su práctica con labores de comisariado y docencia, como las desarrolladas en el centro de arte Arteleku y el programa Primer Proforma, del MUSAC. Es autor de Oteiza. Catálogo razonado de escultura, publicado por la Fundación Museo Oteiza. Esta es su primera novela

<<A Txomin Badiola le pidieron un ensayo sobre las “malas formas”, expresión que se refiere a su manera de hacer arte con materiales heterogéneos que componen una obra que despierta y “agrede” al espectador. Podria haberlo contado con las armas habituales de la teoria. Pero respondió con otra “mala forma”, una narracion compuesta de hilos muy diferentes, con tres protagonistas que se cuestionan a si mismos, que se parecen y no se parecen al artista>>.
Iñaki Esteban, El Correo.
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«Llega Badiola con un libro bajo el brazo en el que ha reunido distintos materiales propios y familiares, como en sus obras plásticas, para crear una ficción ensayística, o un ensayo ficcionado, y autobiográfico».
Paula Achiaga, El Cultural.
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«Badiola considera el trabajo con las formas como núcleo del arte, pero en vez de aceptar las formas dadas, social y politicamente aceptadas, cree que los artistas deben situar su produccion de formas en una linea de transgresión».
José Jiménez, ABC.

Más allá de lo humano explora discursos y prácticas que desplazan al hombre del centro de la producción espacial y entienden su posición dentro de un sistema global atravesado por múltiples tentáculos. Una realidad habitada por bacterias, animales, residuos, cadenas de bits, órdenes logísticas, hongos, ciborgs, territorios, ecosistema, aires… Un nuevo cuerpo múltiple que será necesario interrogar para entender las realidades espaciales y desvelar las posibilidades arquitectónicas que van más allá de lo humano.

A través de sus páginas, encontraremos aproximaciones que rompen el binomio cultura-naturaleza, propuestas para una nueva geología postnatural, arquitecturas y dispositivos que convocan a animales no-humanos y otros agentes, exploraremos las implicaciones espaciales del antiespecismo, cómo utilizar las realidades biológicas de otras especies para la recuperación de un territorio y descubriremos las nuevas realidades espaciales de la acumulación de datos y de los nuevos entornos automatizados.

Based on the cross-over between sound and image, BOOKSCAPES documents a journey across Mexico through a series of short recordings of a blank book made in various locations. The idea of bookscape, formed by the combination of words book and landscape, was born in response to the practice developed by composer Murray Schafer to study the acoustic environment of various contexts (soundscapes). The bookscapes incorporate into the sound recording the visual element of such environment, which is reflected into the blank pages of an open volume.

Through this process, an expanded sense of reading emerges, unsettling the established forms of a practice that usually contemplates the literary and visual material rather than the sonorous component, which in this case becomes a central part of the reading experience, responding to a certain place where the context in which the reader is located provides and creates the narrative.

The blank page is an invitation to listen, rather than to see; it outlines a form of expanded literature where the reader participates as an active listener, in search of a book always open to another time and another space.

→ TAKE PART TO THE CONFINED BOOKSCAPES EDITION

The time and space where we all suddenly found each other is a state of quarantine.The soundscape that surrounds us has changed deeply, and the environment of our lockdown has become our shelter.

For this reason, we would like to create a diverse and collaborative edition for our second volume of BOOKSCAPES, collecting the recordings of what has become the reality of each of you and put it together as a memory of these uncertain times.

If you’d like to be part of it:

• Find a sound and visual context of your quarantine that you’d like to share
• Take a blank paper or a blank book
• Record a one minute length video of it from above
• Send it to hola@urbildeditions.com

We will collect the material and weave together the next publication

Somos espectadores de pantalla. Consumidores virtuales de arte contemporáneo. Visitamos museos, galerías, bienales y ferias sin necesidad de desplazarnos, gracias a profesionales que retratan piezas, exposiciones, instalaciones, performances, incluso arte sonoro. Su mirada se traduce en imágenes que sintetizan y transforman el hecho artístico y que nos abren las puertas a la curiosidad.

Quiénes son estos fotógrafos, qué proceso siguen para crear sus imágenes, cómo consiguen distinguirse en un reino de plataformas de digestión compulsiva de fotografias, por qué en el sistema del arte, siempre preocupado por la autoría, pasan tan desapercibidos que se necesita una lupa para encontrar su firma en los créditos.

La artista CRISTINA GARRIDO ha conversado con ocho de ellos (Roberto Ruiz, Peter Cox, Moritz Bernoully, Carlos Díaz Corona, PJ Rountree, Erika Barahona Ede, Ela Bialkowska y Andrea Rossetti). Esta es la historia -o al menos una de las historias- de la cara B del arte: la (invisible) figura del fotógrafo que documenta arte contemporáneo.

We are screen art spectators. Virtual consumers of contemporary art. Visitors to museums, galleries, biennials, and art fairs without having to move from where we are, thanks to professionals who portray artworks, exhibitions, installations, performances, and even sound art. Their ways of looking produce images that synthesize and transform the artworks, opening doors to curiosity.

Who are these photographers? How is the process they follow when creating images? How do they manage to stand out in the era of smartphones and platforms of compulsive consumption of images? Why in the art system, specially concerned about authorship, they are so unnoticed that one needs a magnifying glass to find their name in the credits?

Visual artista CRISTINA GARRIDO went to meet eight of them (Roberto Ruiz, Peter Cox, Moritz Bernoully, Carlos Díaz Corona, PJ Rountree, Erika Barahona Ede, Ela Bialkowska y Andrea Rossetti). This is the story –or at least one of the stories– of art’s B-side: the (invisible) figure of the photographer who documents contemporary art.

The vibration-environment is a term that conceives sound as an immersive scenario. In close relationship to this, the abat-voix, as a surface used in churches to direct priests’ voices towards the public to make them distinct, becomes a clear example of sound deployment within a political dimension. Thus, listening to the abat-voix refers to the questioning of the vibration-environment and the questioning of the relationships between noise and the physical and contextual vibrations occupying spaces and bodies.

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La vibración-entorno es un término que concibe el sonido como un escenario inmersivo. En estrecha relación, el abat-voix—superficie utilizada en iglesias para dirigir la voz del sacerdote hacia el público y hacerla inteligible—se convierte en ejemplo del despliegue de lo sonoro en su dimensión política.

Así, la escucha del abat-voix hace referencia al cuestionamiento de la vibración-entorno y el cuestionamiento de las relaciones entre ruido y la vibración física y contextual que ocupa espacios y cuerpos.

“I´m a Landscape Photographer” representa un portfolio de imágenes de paisajes en un momento donde no podemos hacer imágenes de paisajes. ¿Qué es un paisaje? Sobre idílicos escenarios de playas, ríos, valles o volcanes en un videojuego de finales de los dosmil emulado en mi ordenador he dado un paseo virtual por varios lugares de ensueño que nunca podré visitar. Puedes visitar la tienda virtual del autor para comprarlo o mandarle un mail a hola@davitruiz.com.

Imágenes sobre imágenes sobre páginas sobre páginas. Retratos, autorretratos. Caras, capas, maquillaje, disfraz. Identidades, personajes entre objetos, fetiches y banderas en decorados en escenarios construidos entre las paredes de casa. El hombre maduro, el patriota, el amante, el artista. Estereotipos. La cultura. Lo que soy, lo que quieren que sea, lo que pienso que piensan los demás, lo que yo pienso de los demás. Lo que deseo. La fantasía, la realidad. Roles, máscaras, cáscaras.

“Daddy Issues #2 – This Issues With Art Education” tells the tales of the year of the swan – a group of participants of the Dirty Art Department, a masters program hosted by the Sandberg Instituut in Amsterdam (NL).

As part of our masters program, we left Amsterdam by plane to Bari, and travelled in descending order of technology—by boat from Bari to Patras, by public transport from Patras to Delphi and by foot from Delphi to Athens before settling down for 2 months in the Greek capital.

In this publication, we share collective thoughts about our individual learning experiences as art students, reflecting on course structure, ideology and nomadism and collectivity as pedagogical methods.

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“Daddy Issues #2 – This Issues With Art Education” recoge las historias del año del cisne- un grupo de participantes del Dirty Art Department, programa de estudios de máster del Sandberg Instituut en Ámsterdam (NL).

Como parte de este programa dejamos Ámsterdam a bordo de un avión camino a Bari y desde allí seguimos viajando en orden tecnológico descendiente–en barco de Bari a Patras, en transporte público de Patras a Delfos, a pie de Delfos a Atenas –para finalmente asentarnos durante dos meses en la capital griega.

En esta publicación pensamos de manera colectiva en cada una de nuestras experiencias de aprendizaje individuales como estudiantes de arte, reflexionando acerca de la estructura e ideología de nuestros estudios así como en el nomadismo y lo colectivo como métodos pedagógicos.

Cuando parecía difícil, por tanto, decir algo distinto sobre Bourgeois, Gabriela Barzaghi De Laurentiis nos sorprende con un libro poético y original; un libro que se atreve a pensar fuera de los límites del marco establecido. Como esas gatas de Bourgeois que evoca en el último capítulo de su ensayo, Barzaghi De Laurentiis se aventura en un salto interpretativo: frente a una mirada despolitizada que cierra la obra de sentidos posibles, confinándola al estrecho marco hermenéutico de la psicobiografía, la autora nos propone un acercamiento feminista y radicalmente político a la artista franco-americana. No es que con ello quiera ignorar la innegable vertiente autobiográfica del trabajo de Bourgeois: es que entiende la autobiografía en un sentido que va mucho más allá de lo confesional, como un proceso de invención de sí que es también una invención de nuevos e inesperados modelos de lo femenino.

Mirar a la cartografía desde las disidencias sexuales posibilita un proceso de resignificación que habla en otros términos, trata otros territorios y rompe con los ideales hegemónicos de lo cartográfico. Este eje atraviesa el trabajo de lxs tres autorxs participantes, para encontrar un potencial que permita cuestionar, remover e imaginar otras vivencias posibles. Esto significa dar cuenta de lo subjetivo y activar herramientas que denotan una voluntad política. Y es que tratar otro tipo de experiencias que se alejan de la norma requiere otras formas de hacer que posibilitan nuevos imaginarios pero no olvidan las relaciones de poder y las desigualdades que los inscriben. En definitiva, demuestran que podemos hacer cartografías en nuestros propios términos. Los trabajos de Kyle Lasky (Lesbian Bedrooms II), nucbeade (Lesboanimitas) y Lucas Larochelle (qt.bot) están construidos con argamasa de memoria colectiva, experiencias personales, deseos entrelazados y relatos ficcionados. Hacen referencia a las diferentes formas de vivir y habitar el espacio a través de testimonios, fotografías u otros registros que cuentan historias; historias que hablan desde la memoria, la intimidad y la ficción, desde lugares de resistencia y de vulnerabilidad.

Looking at cartographies through sexual dissidence facilitates a process of resignification that speaks in other terms, deals with other territories and breaks away from the hegemonic ideals of cartography. These are maps that do not intend to be utilitarian objects, but rather an exchange of perspectives and experiences around other ways of thinking of and occupying space. Being critical of hegemonic cartography entails questioning the forms of representation that are characterised by fixed categories of analysis. A non-representational cartography is interested in that which is not palpable; the invisible, the affectionate, the performative, the virtual and the fictional. These cartographies are born out of a curiosity to generate other spaces and other norms while creating and looking for other codes and other ways of narrating. The cartographies by Kyle Lasky, Lucas LaRochelle and nucbeade included here are cemented with collective memory, personal experiences, intertwined desires, and fictionalised accounts. They refer to the different ways of living and inhabiting space through testimonies, photographs or other records that tell stories; stories that speak from memory, intimacy, fiction, places of resistance and vulnerability.

A FLAMENCO CATHARSIS es un estudio de dirección creativa especializado en la industria del flamenco que también publica una revista con el mismo nombre. Así, A FLAMENCO CATHARSIS Magazine es una publicación impresa, con vocación internacional, cuyo tema es el flamenco y sus alrededores artísticos. Con un enfoque ecléctico y sin miedos ni restricciones, este número dos presenta un contenido que va de la poesía a la experimentación visual, pasando por el ensayo y el relato de ficción, todo ello con una fotografía y un diseño editorial insólitos en el panorama revistero flamenco.

Para los Kaingang, synuin es algo bonito, es decir, algo que puede percibirse como bonito por la persona que lo recibe. Dzeeka en Baniwa se refiere a saber hacer, a algo que alguien puede hacer como resultado de una evolución de saber, aprendido de los más ancianos y que solo puede ser hecho por humanos. Ziapohaw, para los Guajajara, identifica el acto de hacer, provocar, crear, resolver. Mevi-revosh-showima-awe en Marubo es un trabajo hecho con la punta de los dedos. Yaimyxop, para los Tikmu’um o Maxakali, es un esfuerzo estético que produce eventos espirituales, constituidos por música y cantos, y con la presencia de personas-espíritu. Tembiapo, en Guaraní, es una práctica de hacer conectada con el arte y la memoria.

A veces no hay palabras para una práctica, porque esa práctica no existe, o no lo hace del mismo modo. Puede materializarse de modos similares a otra con ese nombre, hasta puede parecer que, por un momento, es la misma práctica.

Sin embargo, si la acompañamos durante el tiempo suficiente, o la consideramos en su complejidad, en su alcance e implicaciones, ese encuentro puede parecer apenas una coincidencia o, simplemente, irrelevante. Pero aún así, insistimos…

La palabra arte es persistente, sorprendentemente efectiva en su habilidad de atraer la atención, afectar procesos y motivar agencias. También en provocar irritación y hastío, principalmente por su obcecada voluntad de expansión, su espíritu colonial de crecimiento e incorporación.

En tiempos recientes, el arte y su sistema en Brasil volvieron su atención a los pueblos indígenas y sus producciones. No tanto a sus realidades o preocupaciones, sus demandas o incomodidades, sino a los objetos e imágenes que algunos de ellos producen, así como a ciertas narrativas y valores que su presencia evoca e invoca. «Arte indígena» se convirtió en un asunto, seguido, lentamente al comienzo, por «artistas indígenas» y, aún hoy incipientemente, «curadores indígenas». Ocupaciones y preocupaciones necesarias, deseadas e inevitables, que revelan un encuentro que puede ser celebrado, pero que no debe ser tomado como resuelto o definitivo.

Este número de Concreta intenta acercarse a algunos puntos de ese encuentro y, aún con mayor énfasis, caminar hacia otros lugares en los que las trayectorias se bifurcan y apuntan a un exceso: un exceso que es tan, o más relevante, que los encuentros. Para traer aquí esos acercamientos, invitamos a personas que los realizan profesional y vitalmente en diferentes territorios de América Latina y España. La mayoría en Brasil, el territorio en el que vivo hace aproximadamente ocho años, pero también en Bolivia, Chile, México y Guatemala: países en los que un proceso colonial de más de quinientos años no consiguió eliminar impulsos y prácticas de creación y recreación tan o más persistentes que esa palabra con la que comenzamos.

Desde plataformas institucionales o de gestión autónoma, desde posiciones colectivas o aproximaciones individuales alimentadas por la tradición, indígenas y no indígenas, las personas que contribuyen a este número muestran en su trabajo y vida voluntad de contacto, sin necesidad de suponer una autonomía que salvaguarde la práctica. Es difícil ofrecer una síntesis, tal vez porque no se trata de llegar a un común sino a una abertura. Tal vez el único común posible aquí sea una pregunta que sirva de comienzo, que fuerce un ejercicio, que demande una reflexión con consecuencias sobre las estructuras: para que ese contacto acontezca de una manera que el arte y sus sistemas no subsuman, agoten o desanimen las prácticas que procura encontrar. ¿Qué debería cambiar en ese sistema? ¿Qué métodos, palabras, suposiciones, actitudes y deseos precisan mudar para que el encuentro no sea, de nuevo, abusivo y violento, para que no sirva solo a una parte?

Las historias, imágenes, narraciones y perspectivas que siguen no son instrucciones. Sin embargo, contienen herramientas y ejemplos, impulsos y visiones que nos apuntan hacia algunas respuestas.

Pablo Lafuente (Santurtzi, 1976). Escritor, editor y comisario de arte que vive en Río de Janeiro. Fue cocurador da 31a Bienal de São Paulo (2014), del proyecto de investigación y exposición Zarigüeya / Alabado Contemporáneo (Museo de Arte Precolombino Casa del Alabado, Quito, 2015-20), de las exposiciones Dja Guata Porã : Rio de Janeiro Indígena (Museu de Arte do Rio, Río de Janeiro, 2017-18) y Sawé : Liderança Indígena e a Luta pelo Território (Sesc Ipiranga, São Paulo, programada para 2021). Fue coordinador del Programa CCBB Educativo en el CCBB, Rio de Janeiro (2018-20) y, desde septiembre de 2020 es director artístico del Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio) junto con Keyna Eleison.

Idioma: Español
Páginas: 338
ISSN:2254-9757
Tamaño: 230 x 150 mm
Edición: 1500 copias
Año: 2020

El Corazón es un trabajo visual acerca de los cuentos y otros relatos, donde se explora la capacidad de las palabras para generar imágenes. Asimismo, analiza cómo a través de la representación simbólica se abren nuevos espacios de reflexión y consciencia sobre lo que nos rodea. Gestos, formas, escenas y paisajes quedan transformados en herramientas de resolución y adaptabilidad a los conflictos universales inherentes a la existencia.

Javi era yonki, y también una persona amable y delicada. Le conocí hace más de 20 años, al inicio de mi trayectoria como fotógrafo. Generosamente me dejó fotografiarle un día, en un acto íntimo en el que su fragilidad quedaba al descubierto para el resto.

Hace unos meses me topé de nuevo con estas imágenes, y sentí que debía hacer una publicación con ellas; pero ahora mi interés ya no reside tanto en la acción que representan las fotografías, sino en la morfología de los volúmenes y los juegos de luces que las habitan.

Ojalá que Javi disfrute de este pequeño recuerdo, allá donde esté.

[EN]    In this publication the author utilizes a memory exercise to evoke an enjoyable moment in the Matur tourist complex, located to the East of Madeira Island. The title SARABANDE alludes, in a figurative sense, to the synchronized actions that took place in two contiguous spaces of this facility, connected to each other through a glass divider.

[ES]   En esta publicación el autor recurre a un ejercicio de memoria para recuperar un episodio de recreo en el complejo turístico Matur, situado en la parte este de la isla de Madeira. El título SARABANDE (Zarabanda) alude, en sentido figurado, a las acciones sincronizadas que discurrían en dos espacios contiguos de este recinto, conectados entre sí a través de una división acristalada.

Video: Implosion of the Atlantis Hotel /

Implosión del Hotel Atlantis, Água de pena, Machico

(1972-2000)

2020 Magazine, Issue 0

A very special book published in 1971. An iconic an gorgeous catalogue that contains art work from major Sixties artists, including Beuys, Caro, Hamilton, Lichtenstein, Oldenberg, Paolozzi, Rauschenberg, Stella, Twombly, Warhol, among others. Many reproductions of Pop Art and Op Art works collected by Peter and Irene Ludwig.

With a wonderful design by Wolf Wostel <3 Soft cover with embossed flexible plastic covers and a hard acrylic spine, bound with stainless steel bolts. Multiple paper stocks and printing effects, brown fabric paper with color plates, printed transparent slipsheets with a portrait of each artist, fold-outs… and more

And this is the fifth edition. The final edition, updated and expanded! An exceptionally and well preserved copy for you.

Travelling es un libro de dibujos sin palabras. Es un recorrido visual a través de 9 historias encadenadas en las que se hace especial énfasis en la representación del lenguaje y de sus sonidos a partir de elementos gráficos. Y donde también la representación del entorno se convierte en materia prima de los mensajes.

Es un libro en el que el tono y el color de la comunicación son más importantes que lo que se dice.

Y es también un experimento de exploración del lenguaje gráfico. Una búsqueda de una escritura y lectura universales.

Esta edición de 300 ejemplares está numerada y firmada y cada ejemplar tiene una portada con un dibujo original y diferente.

Cada uno de los dibujos de las portadas es lo que llamo sonogramas. Cada sonograma encierra una posibilidad. Puede ser un discurso, o  una voz, o un ruido, o una melodía, o una historia. Y cada lectura es un significado nuevo.

Precio: 40 € / España; 50 € Europa, Canada y Estados Unidos (gastos de envío incluídos)

Para comprar el libro o solicitar un encargo de ilustración puedes ponerte en contacto conmigo en: contacto@pepemedina.net

Buenos hábitos, túneles y cachitos (ES), surge como camino en la búsqueda de una respuesta positiva a los cambios vitales; primero en forma de un texto que inspirará los dibujos del fanzine. En todo el conjunto hay una búsqueda de buenas costumbres, como comer fruta, pasear o amar y toda la cantidad de dificultades absurdas para no conseguirlas.
Aparece la idea de generar túneles para conectar (personas/proyectos/espacios) como mejor hábito que tender puentes, ya que estos atraviesan el territorio, te hacen descomponerlo en cachitos, analizarlo y valorarlo (lo que no significa que tender
puentes sea algo estupendo también). Contiene muchas ganas de construir, dentro de un ciclo constante
de destrucción/creación, con un fuerte peso del tiempo, que a la vez libera. El buen hábito de descomponer las cosas en cachitos para comprenderlas mejor y componer cosas nuevas con esos cachitos. Un reloj de arena lleno de cachitos. Un túnel que se vacía y crece, rellenando un reloj de arena. Todo, como si de un juego se tratara.

Buenos hábitos, túneles y cachitos (Good habits, tunnels and little pieces) (EN), come as a way forward in the
seeking a positive response to vital changes; First in the form of a text that will inspire the drawings of the fanzine.
There is a search for good morals as a whole, such as: eat fruit, walk or love, and all the amount of difficulty absurd, not to pursue them. The idea of creating tunnels to connect (personae/projects/spaces) as a better habit building bridges,
that they cross the territory, they make it impossible for you to do so in achides, analyse and valuate (which does not mean that buliding briges is great too.) It contains a great desire to construct within a constant cycle of destruction/creation, with a heavy duty of time, which is also liberating. A good habit of breaking up things in little parts for a better understanding and creating new ones with them. An hourglass full of little parts. A tunnel which is empty and grows by filling an hourglass. As if everything was a game.