Music 7 Publications in Random Order

Selling bricks and exposing architectural avant-garde es un proyecto de archivo audiovisual desarrollado desde 2018. Hasta la fecha, ha tomado forma de feed de Instagram (@kellycorbusier) y publicación. Selling bricks captura arquitectura de vanguardia y casos de especial relevancia representados en videoclips de música urbana en España.

200 páginas, casi 100 videoclips y planos inéditos de una arquitectura transformada en escenario. Edificios y calles recorridos a ritmo de hi-hats, autotune y perreo como ningún fotógrafo o revista especializada lo ha hecho jamás. Una mirada desplazada que, sin embargo, muestra y descubre detalles o edificios a un público que solo puede contarse con millones de visualizaciones. Un texto de la periodista y crítica musical HJ Darger se encarga de introducirnos en este imaginario de planos contrapicados y frames de Youtube.

Libro que recopila más de un centenar de flyers o volantes impresos entre 1993 y el 2003 relacionados con la cultura del techno y los clubes en Chile. El libro incluye una serie de textos de personalidades relevantes de la época entre los que se incluyen Jorge González y Sebastián Lelio.

Book that compiles more than a hundred flyers printed between 1993 and 2003 related to techno culture and clubs in Chile. The book includes a series of texts by relevant personalities of the time, including Jorge González and Sebastián Lelio.

Que los años 70 fueron un momento psicotrópico colectivo glorioso para la cultura occidental es algo de sobra conocido, las grandes obras cinematográficas, musicales y conceptuales que se generaron entre los habitantes de esos años están en el límite de lo comprensible, son extraordinarias.

Desde per(r)ucho nos hemos propuesto investigar algunas de ellas desde una óptica un tanto demencial: usar como foco La Zona de Stalker, utilizarla como vínculo metafórico y guía para el descubrimiento de algunas estructuras subyacentes que dominaron las mentes creativas de esos años.

Investigar la presencia de Tarkovski en occidente, su percepción entre la bruma que supuso el telón de acero, las implicaciones que tuvo su presencia entre aquellos que supieron de él, entre aquellos que vieron sus películas, ha supuesto un reto fantástico del que no sé si hemos salido airosos.

Por suerte o por desgracia, a medida que avanzaba la investigación, también lo hacía nuestra memoria. Los recuerdos que almacenábamos no de esa época pero sí de un pasado que, de alguna manera, se iba entrelazando, no sólo con las hipnóticas imágenes de Tarkovski, sino también con el rugido de los Zeppelin y la bruma de un Londres fantasmagórico que, durante un tiempo en el que aún había rastros evidentes de los 70 en sus calles, tuvimos la suerte de habitar.

The 70’s The zone son muchos libros fragmentarios que se unen en un mapa situacionista, zonas que se conectan en la metazona gigante que fueron los 70, una zona formada por conexiones imposibles entre secuencias de El Espejo y No Quarter de los Zeppelin, entre libreros oculistas de Manhattan y magos improbables de las montañas de Georgia. Un laberinto atestado de ingenieros de sonido, fotógrafos atormentados, escultores muy serios, cineclubs infestados de humo, revistas gloriosas, conciertos multitudinarios, punks, heavies y cinéfilos. Toda una multitud incoherente que, sin embargo, habitaba bajo la misma frecuencia vital, bajo un mismo y brillante rugido.

A FLAMENCO CATHARSIS es un estudio de dirección creativa especializado en la industria del flamenco que también publica una revista con el mismo nombre. Así, A FLAMENCO CATHARSIS Magazine es una publicación impresa, con vocación internacional, cuyo tema es el flamenco y sus alrededores artísticos. Con un enfoque ecléctico y sin miedos ni restricciones, este número dos presenta un contenido que va de la poesía a la experimentación visual, pasando por el ensayo y el relato de ficción, todo ello con una fotografía y un diseño editorial insólitos en el panorama revistero flamenco.

This project seeks to take a new approach to traditional user manuals based on sampling, a musical production technique that is very common in hip-hop. Sampling (and resampling) is a working process that takes pieces from different elements and combines them to create a unique and new item. This technique extracts these pieces from their natural habitat to de-contextualise them; it chops them up, changes, deforms, serialises and combines them with a view to generating a new message.

We live in a world bloated with data, images, videos, news, messages and constant inputs. We live in a world where collective forms of sharing knowledge generate a massive amount of information that is constantly doing the rounds. And just like hip hop lifts portions of audio to compose, this user manual has been scanned and compiled with these elements that do the rounds, such as photos, articles, chats or illustrations, which redefine or complement the content. The outcome is a sampled manual.

Entitled “Mixtape”, this catalogue brings together works by Dominique Hurth from 2008 to 2020. It comprises one text booklet with contributions by Daniela Cascella, Sonja Lau and the artist herself; one image booklet with 136 images from installation shots of Hurth’s work and one audio-tape (45-min each side) with recordings, music and sound material inherent to the research behind the works. The chosen format reflects on her interest in object-biography, technology and its history.

“We listened to historical recordings and futurist sounds, to tracks taking in everything from minimal wave and Detroit techno to hip-hop and chansons. We listened to the voices of the first speaking dolls that sounded like little monsters, to the voices of Sarah Bernhardt and Serge Gainsbourg as he burned a 500 Franc note on French TV. To Clarice Lispector as she lit a cigarette while being asked why she continued to write. We listened to music created in laboratories, music that was sent into outer space. We listened to lyrics and then languages and voices w couldn’t understand. Machine-generated sounds. Sounds created on celluloid. James Joyce reciting four pages of Finnegans Wake to Charles Ogden in the late 1920s. We listened to advertisements for vocoders and to music with vocoders as the primary transmitter of voice and the main musical instrument. We listened to France Gall singing — or rather, screaming — into the microphone at the Eurovisio Song Contest at the age of nineteen about being a doll made of wax and a doll made of sound. To a litany of okays sung by The Destroyer in a song by the Residents. To the breathing of Pauline Oliveros’s accordion. To the Holy Ghost in the Machine. To Minnie Riperton’s voice in the background, to atonal music, and to computer-generated hand claps. Electronic communication with the dead. Jazz.
A countdown to zero. We listened to beats.

The several hours of sound that we listened to eventually became two side of forty-five minutes each — Side A and Side B. Condensed and edited in this way, this mixtape actually conceals and contains several other mixtapes, recalling all the other tracks that burst out of the edges of the magnetic band.” (”Mixtape(s)”, D. Hurth, 2020)

BORSHCH is a magazine for electronic music on and beyond the dancefloor. Founded in Berlin in 2017, it’s a space to provoke open dialogues and challenge established ideas about making, listening, and dancing to music. Through physical and digital formats, BORSHCH discusses the artistic, social, and political impact of electronic music on contemporary culture in and outside the club settings. The print edition of the magazine is published biannually.

In BORSHCH #5, we enter sweaty basements and concrete cathedrals and explore the culture of darkness born out of protest. In unsettling environments, we embrace the shadows and challenge our senses with obscure electronic music. When do you feel comfortable with your discomfort? What happens when the lights go off, and the only source of illumination you’re left with is blurry haze or an abrupt stroboscopic pulse? Conversation with Deena Abdelwahed, Lucrecia Dalt, and Alessandro Adriani question the ambiguity of ‘dark’ sound and psychological impact of unpolished music. Artist portraits of Animistic Beliefs, Rrose, Klein, Ziúr deconstruct the dark areas where sins, injustice, and disquiet are as human and real as pleasures and joy. This issue of Borshch considers entering the dark as an act of coming home, to the cave where the primary source of life is hidden.

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