Escaparate

A book by Daniel Jordán Pompa.

All photographies were taken on the 24th, 25th and 26th of december 2018 in Benidorm, Spain.

Limited edition of 40 copies.

Edited and published by Hamien & Dirst Editorial.

December 2019, printed in spain.

Fascinated since childhood by snails, and the way they challenge ideas about sexuality in today’s society, Rosza threw herself into writing, merging two of her biggest interests. Questioning questions, her stylish style shouts and simultaneously whispers the bim bam bam of the streets in the cities of this world, that always runs a little too fast. Thrown around, tossed between bodies and lines in the metro, Rosza is as interested in words as in the absence of them.

Do:mi:no is a co-disciplinary collective that strives to rethink and question the interactions between artistic and musical fields through graphic and musical support, through encounters, collaborative events and crossed glances.

Anaïs is a graphic designer – illustrator with an approach situated at the crossroads of art and design. She plays on double-entendres and on the interpretation of the observer/reader. Her minimalist line, generally black and white, is sometimes punctuated by a few coloured notes, oscillating between a naive-poetic aesthetic and a sometimes disturbing look.”

Disolve reúne todas las transiciones cinematográficas hechas por Freddie Francis para la película The Innocents (1961) de Jack Clayton, en una publicación impresa.

Un joven español llega a Berlín en busca de trabajo. Por la noche pone copas en un bar marica y por el día intenta escribir la historia de su abuela, que también vivió en Alemania hace muchos años.

La voz de la anciana en la grabadora lo devuelve al pueblo manchego en el que se crio de niño. Cuando eres un niño marica no te puedes defender, porque todo el pueblo lo sabe antes de que tú lo sepas. Lo mejor es escapar, no te enfrentes a ellos, le dice su abuela. Ella también escapó hace muchos años. Huía de la violencia, en diferentes circunstancias, y también como él intentaba buscarse la vida.

Fanzine collage neo poetico.

Selling bricks and exposing architectural avant-garde es un proyecto de archivo audiovisual desarrollado desde 2018. Hasta la fecha, ha tomado forma de feed de Instagram (@kellycorbusier) y publicación. Selling bricks captura arquitectura de vanguardia y casos de especial relevancia representados en videoclips de música urbana en España.

200 páginas, casi 100 videoclips y planos inéditos de una arquitectura transformada en escenario. Edificios y calles recorridos a ritmo de hi-hats, autotune y perreo como ningún fotógrafo o revista especializada lo ha hecho jamás. Una mirada desplazada que, sin embargo, muestra y descubre detalles o edificios a un público que solo puede contarse con millones de visualizaciones. Un texto de la periodista y crítica musical HJ Darger se encarga de introducirnos en este imaginario de planos contrapicados y frames de Youtube.

BORSHCH is a magazine for electronic music on and beyond the dancefloor. Founded in Berlin in 2017, it’s a space to provoke open dialogues and challenge established ideas about making, listening, and dancing to music. Through physical and digital formats, BORSHCH discusses the artistic, social, and political impact of electronic music on contemporary culture in and outside the club settings. The print edition of the magazine is published biannually.

In BORSHCH #5, we enter sweaty basements and concrete cathedrals and explore the culture of darkness born out of protest. In unsettling environments, we embrace the shadows and challenge our senses with obscure electronic music. When do you feel comfortable with your discomfort? What happens when the lights go off, and the only source of illumination you’re left with is blurry haze or an abrupt stroboscopic pulse? Conversation with Deena Abdelwahed, Lucrecia Dalt, and Alessandro Adriani question the ambiguity of ‘dark’ sound and psychological impact of unpolished music. Artist portraits of Animistic Beliefs, Rrose, Klein, Ziúr deconstruct the dark areas where sins, injustice, and disquiet are as human and real as pleasures and joy. This issue of Borshch considers entering the dark as an act of coming home, to the cave where the primary source of life is hidden.

TAMBOURINE is an online platform established for the promotion and distribution of the independent magazine scene. Its aim is to decipher the role of printed matter in contemporary culture, as well as provide its readers with the latest magazine releases, connecting the digital community with the highest quality printed matter goods.

‘Feminisms’ (as a plural) is widely used today to draw attention to inequalities and to critique the status quo in limiting women’s roles/ positions/ lives/ potential. Art can offer a vision of future worlds, manifesting a desire for projecting change, playing with existing realities and conventions. Feminist Art Artivism and Activism, two sides of the same coin, arise where art approaches, develops or transforms into activism and vice versa, where activisms become artivisms. In both, art emerges in differing forms of political intervention, at both an individual, shared or collective level, apparent in actions, events, identifications and practices.

This volume wants to reveal the diversity of these practices and realities. Representing a range of critical insights, perspectives and practices from artists, activists, curators, academics and writers, it explores and reflects on the enormous variety of feminist interventions in the field of contemporary art, social processes, the public sphere and politics. In doing so, Feminist Art Activisms and Artivisms touches upon broader questions of cultural difference, history, class, economic position, ecology, politics, sexual orientation, and the ways in which these intersect.

Richly illustrated with c. 300 black and white illustrations and photos.

This is the first volume in the new PLURAL series. The series focuses on how the intersections between identity, power, representation and emancipation, play out in the arts and in cultural practices. The volumes in this series aim to do justice to the plurality of voices, experiences and perspectives in society and in the arts and to address the history and present and future meaning of these positions and their interrelations. PLURAL brings together new and critical insights from artists, arts professionals, activists, cultural and social researchers, journalists and theorists.

It’s 2020 and our bodies are still political.

The 21st century still drags on with the same beauty standards of the last century. Those of a young, white, thin, ethereal and heterosexual woman. Beauty, or rather a  woman’s first commercial asset; is a passport to a happy marriage, professional success and social recognition. Both women and men are bombarded with an infinite amount of photoshopped images, which has alienated them and also driven them on a search for ideal beauty. This claustrophobic and impossible standard has only lead us to eternal comparison, frustration and levels of self-hatred. A blinded population starved by its regimes, which becomes terribly tractable and obedient.

Refusing the norm is to choose, as from the vulnerable side as the enthusiastic one, to be incorruptible, faithful to oneself, honest, punk in front of a capitalist system that fathers monstrous children of uniformity and consumerism, all made from the same postcolonial and patriarchal mould.

The artist refused the norm. She cherished and desired bodies of all ages, sizes, genders and colours, with intent to deconstruct beauty standards, beginning a quest for honesty, empowerment, acceptance and self-confidence, while gathering the words of her peers and taking a tender look at them.

These incorruptible bodies are a celebration of the diverse, the unlikely, the ambiguous, the androgynous, the non-obvious and the non-binary.

Les corps incorruptibles is a feminist, queer and anti-racist declaration of love.

Pdf de la traducción en castellano de los textos en nuestra web.

In recent years the work of Margarito Dela Guetto has been mostly known for Polaroid photography.

In this publication, we find a more intuitive and unconscious work, less premeditated, that brings us closer in a certain way to his curiosities and everyday experiences. In this way, he takes up the format with which he began in photography and that little by little regains importance in his visual repertoire.

Color photos, black and white, double exposures… but everything, in 35 mm.

Blank Books is a tribute to Ulises Carrión

Que los años 70 fueron un momento psicotrópico colectivo glorioso para la cultura occidental es algo de sobra conocido, las grandes obras cinematográficas, musicales y conceptuales que se generaron entre los habitantes de esos años están en el límite de lo comprensible, son extraordinarias.

Desde per(r)ucho nos hemos propuesto investigar algunas de ellas desde una óptica un tanto demencial: usar como foco La Zona de Stalker, utilizarla como vínculo metafórico y guía para el descubrimiento de algunas estructuras subyacentes que dominaron las mentes creativas de esos años.

Investigar la presencia de Tarkovski en occidente, su percepción entre la bruma que supuso el telón de acero, las implicaciones que tuvo su presencia entre aquellos que supieron de él, entre aquellos que vieron sus películas, ha supuesto un reto fantástico del que no sé si hemos salido airosos.

Por suerte o por desgracia, a medida que avanzaba la investigación, también lo hacía nuestra memoria. Los recuerdos que almacenábamos no de esa época pero sí de un pasado que, de alguna manera, se iba entrelazando, no sólo con las hipnóticas imágenes de Tarkovski, sino también con el rugido de los Zeppelin y la bruma de un Londres fantasmagórico que, durante un tiempo en el que aún había rastros evidentes de los 70 en sus calles, tuvimos la suerte de habitar.

The 70’s The zone son muchos libros fragmentarios que se unen en un mapa situacionista, zonas que se conectan en la metazona gigante que fueron los 70, una zona formada por conexiones imposibles entre secuencias de El Espejo y No Quarter de los Zeppelin, entre libreros oculistas de Manhattan y magos improbables de las montañas de Georgia. Un laberinto atestado de ingenieros de sonido, fotógrafos atormentados, escultores muy serios, cineclubs infestados de humo, revistas gloriosas, conciertos multitudinarios, punks, heavies y cinéfilos. Toda una multitud incoherente que, sin embargo, habitaba bajo la misma frecuencia vital, bajo un mismo y brillante rugido.

Manifiesto Ferviente de Mercedes Villalba es una llamada a reunirnos y fermentar tanto de maneras metafóricas como materiales, un prontuario que tener a mano para iniciar fermentaciones. La idea es crear burbujas donde poder experimentar y cultivar el futuro, poder imaginar otros modos de producción y relación para desarticular y desmontar nuestras lógicas y modos de percepción capitalistas.

Escrito originalmente en inglés para la revista The Plant, esta edición bilingüe incluye una traducción al castellano.

Manifiesto Ferviente es el primer número de la colección A Sketch For The Future, una serie inspirada por Muriel Cooper que trata temas urgentes que pensar hoy para habitar el futuro.

Puedes ver el vídeo completo en español aquí y en inglés aquí.

Mercedes Villalba es una escritora y antropóloga argentina que actualmente reside en California, donde investiga sobre la mercantilización de los paisajes geotermales, ha escrito para revistas como Too Much y Compost. Dicta una clase que incluye un módulo llamado “los hongos son raros”.

No Libros editó la versión en portugués de Manifiesto Ferviente y puedes verlo aquí.

La Perruque is a 1 × 90 cm-long magazine publishing nonstandard type specimens printed in the margins of regular documents.

La Perruque hacks unused paper surfaces from print shop production, so they become carte blanche for type designers instead of waste.

Each issue is a specimen of a typeface. All of them together draw the portrait of a contemporary typography scene. La Perruque showcases experimental typography projects. It is also a place for type manifestos and in-progress fonts.

Besides being an online archive of the magazine issues, www.la-perruque.org also gives access to the font design processes documented by the type designers themselves.

“A ‘homer’ [«perruque» in french] is an artifact that a worker produces using company tools and materials outside normal production plans but at the workplace and during workhours. Despite legal, artistic and ethnographic evidence of their existence, silence surrounds [perruques]. […] this silence is not linked just to the marginal and illegal quality of these artifacts. [Perruques] shed light on a high degree of ‘complicity’ between employees regardless of their position in the hierarchy.” Michel Anteby, “Factory ‘homers’: Understanding a highly elusive, marginal, and illegal practice“, in Sociologie du travail, 45, 2003, p. 453.

The magazine is now published by Surfaces Utiles, a publishing house runned with a similar mindset, trying to publish parallelepiped books through these non-standard production methods.

“Son fantasías evaporadas o permanentes.
Son la inspiración y el carácter.
Son amigas inocentes.
Son amores imposibles.
Son hijas de Zeus y Mnemosyne.
Están ahí. Entre nosotros, todos los días.”

—

“Elles sont fantasme évaporé ou permanent.
Elles sont inspiration et caractère.
Elles sont des amies innocentes.
Elles sont des amours impossibles.
Elles sont filles de Zeus et Mnémosyne.
Elles sont là. Parmi nous, every single day.”

Everyday Muses, erotic parentheses and lovers from everyday life is a poetry book which tells erotically, sensual and contemporary, the image of our relationships with others, and focus especially on the look and women’s admiration for other women. This book, representative of the encounter of our two worlds, mixes poetry, eroticism and imagination.

THE BEST FROM THE WEST – Andrey Kasay

This is a collection of the best works by Andrey Kasay, a Russian visual artist based in Moscow, by the summer of 2019. His metaphoric, surreal and crazy illustrations and animated videos are based on a satiric look at contemporary society. Since 2010 he took part in various group exhibitions and had solo shows in Europe, Asia, North and South America. He worked with brands like MTV, Nike, Red Bull, CNN, Washington Post, New Yorker, Adidas; and was featured by VICE, WIRED, Juxtapoz and It’s Nice That. 170 x 230 mm, 200 pages Edition of 300 copies ISBN 978-989-54589-1-2 Stolen Books // Published March 2020

THE TREE AS AN ANTENNA TO A SPIRITUAL REVOLUTION – Mantraste

“I wanted to pay homage to all the trees for a long time, so I picked sticks in my village, drew the memories of my childhood by sight and crumpled the paper pulp that shaped the fruits of my spirit. How many have found enlightenment through a tree?” 190 × 250 mm 32 pages 2 color risography printing on Fedrigoni Arena Rough 90g paper. 2 color silkscreen cover printed by Telmo Chaparra (Stolen Prints) on Pop Set Fawn 170g paper. Each copy comes with a 2 color risograph print by the artist, size approx. 300 x 410 mm, printed on Munken Print White 90g. Limited edition of 100 copies, signed and numbered.

SOLIN SALA RA – Manuel Donada

It is not talking about the origin of this book, because this book, infinite, varied, diverse, always similar and always different, perpetual and changing, has existed from all eternity. Nothing has been discovered, everything has been found. But in the heart of this artifact everything changes, everything is transformed, everything evolves. These pages have not existed at any time or any place, the message itself has an origin and the magic emanating from each of its pages can never be trained. At this point, there is nothing to do. It would be lovely to wait for the revolution of an admirable science. This book is dedicated, in part, to all those punks of sectarian mentality and false morals, those who feed the annihilation of the individual and those who are part of a camouflaged class, who die of fear and grief with the idea of being isolated. To all those who do not violently reject the supporters of an absurd and pestilent elite. To the loose dogs of abstract camaraderie that obstructs the spiritual, individual and cosmic revolution. To the victims of the revolution block, accomplices of permanent repression, duck-faced corpses and wild manners, all obstacles of the universal protest. 245 x 310 mm, 96 pages 978-989-54589-2-9 Stolen Books

Cuando parecía difícil, por tanto, decir algo distinto sobre Bourgeois, Gabriela Barzaghi De Laurentiis nos sorprende con un libro poético y original; un libro que se atreve a pensar fuera de los límites del marco establecido. Como esas gatas de Bourgeois que evoca en el último capítulo de su ensayo, Barzaghi De Laurentiis se aventura en un salto interpretativo: frente a una mirada despolitizada que cierra la obra de sentidos posibles, confinándola al estrecho marco hermenéutico de la psicobiografía, la autora nos propone un acercamiento feminista y radicalmente político a la artista franco-americana. No es que con ello quiera ignorar la innegable vertiente autobiográfica del trabajo de Bourgeois: es que entiende la autobiografía en un sentido que va mucho más allá de lo confesional, como un proceso de invención de sí que es también una invención de nuevos e inesperados modelos de lo femenino.

I laugh to see myself so beautiful in this mirror is a collection of four zines inside of a box.

The first three zines are experiments where the author explores the possibilities of the comic language using the cut-up technique and the Tintin comics as a mixing board. The last one is an interview with the author.

This series of zines are part of his Ph.D. in LUCA Ghent, where he researches the comic language.

Fantasmita eres pegamento se adentra en la dimensión social de los sueños, el mito, la fantasía, la fe y el universo infantil. La fecundidad rara y expansiva de estos mundos sirve de punto de partida para explorar maneras de lidiar con el trauma, entender la relación con el cuerpo o con la muerte y contemplar la aparición de una fertilidad queer. Su atención a las estructuras repetitivas —muchas de ellas sustraídas de la tradición oral, de nanas y de ritos religiosos— invitan a repensar la capacidad que tienen la serialidad y la acumulación para generar significados más allá de los marcos de referencia lingüísticos con los que normalmente operamos.

Leticia Ybarra (Madrid, 1991) es una poeta que desarrolla su práctica tanto en la escritura como en la creación plástica y el comisariado. Forma parte del programa de estudios Gear With Petals, de Hangar (Barcelona), y es cofundadora, junto a Beatriz Ortega Botas, del proyecto de poesía Juf. Su trabajo más reciente ha podido verse en Lifting Belly (CentroCentro, 2020); this light, toxic (Intersticio, Londres, 2020); pen pressure: a show of poetry, fantasy and faith (Yaby, Viena, 2020), y en Pfeil Magazine (2021) o This is Jackalope (2019). En La Casa Encendida ha comisariado el festival Gelatina o el ciclo Atravesar el bosque encantado.

Buenos hábitos, túneles y cachitos (ES), surge como camino en la búsqueda de una respuesta positiva a los cambios vitales; primero en forma de un texto que inspirará los dibujos del fanzine. En todo el conjunto hay una búsqueda de buenas costumbres, como comer fruta, pasear o amar y toda la cantidad de dificultades absurdas para no conseguirlas.
Aparece la idea de generar túneles para conectar (personas/proyectos/espacios) como mejor hábito que tender puentes, ya que estos atraviesan el territorio, te hacen descomponerlo en cachitos, analizarlo y valorarlo (lo que no significa que tender
puentes sea algo estupendo también). Contiene muchas ganas de construir, dentro de un ciclo constante
de destrucción/creación, con un fuerte peso del tiempo, que a la vez libera. El buen hábito de descomponer las cosas en cachitos para comprenderlas mejor y componer cosas nuevas con esos cachitos. Un reloj de arena lleno de cachitos. Un túnel que se vacía y crece, rellenando un reloj de arena. Todo, como si de un juego se tratara.

Buenos hábitos, túneles y cachitos (Good habits, tunnels and little pieces) (EN), come as a way forward in the
seeking a positive response to vital changes; First in the form of a text that will inspire the drawings of the fanzine.
There is a search for good morals as a whole, such as: eat fruit, walk or love, and all the amount of difficulty absurd, not to pursue them. The idea of creating tunnels to connect (personae/projects/spaces) as a better habit building bridges,
that they cross the territory, they make it impossible for you to do so in achides, analyse and valuate (which does not mean that buliding briges is great too.) It contains a great desire to construct within a constant cycle of destruction/creation, with a heavy duty of time, which is also liberating. A good habit of breaking up things in little parts for a better understanding and creating new ones with them. An hourglass full of little parts. A tunnel which is empty and grows by filling an hourglass. As if everything was a game.

[EN]

lo único nuevo aquí, sois vosotros is a book of short stories, poetry, random ideas and images, an array of diverse formats through which the author talks about the experience of being a woman in a world that is full of women and people and things that are not women. about being part of situations and at the same time about not belonging to them. this book accumulates moments in which you touch and moments in which you look. it has sex, love, feminism, television, rap and humor. this book by marina fornet vivancos can be read in any order and has a lot of photographies.

[ES]

lo único nuevo aquí, sois vosotros es un libro de relatos, poesía, ideas sueltas e imágenes, formatos a través de los cuales se habla de la experiencia de ser una mujer en un mundo que está lleno de mujeres y de personas y cosas que no son mujeres. de cómo formas parte de las situaciones y a la vez no. este libro acumula momentos en los que tocas y en los que miras. tiene sexo, amor, feminismo, televisión, rap y humor. este libro de marina fornet vivancos se puede leer el cualquier orden y tiene bastantes fotos.

Publicación impresa en risografía en formato zine que presenta una colección de trabajos caligráficos del artista chileno radicado en Los Angeles, Bryan Yonki. Trabajamos junto a él recopilando algunas de sus gráficas más representativas y desarrollando nuevos letterings para expresiones populares chilenas que fueron traducidas al inglés de manera literal con la ayuda de Google Translate. Editado y presentado especialmente para Los Angeles Art Book Fair 2017, Geffen Contemporary at MOCA (The Museum of Contemporary Art, Los Angeles)

Zine format publication printed in risography that presents a collection of calligraphic works by the Los Angeles-based Chilean artist, Bryan Yonki. We worked together with him compiling some of his most representative graphics and developing new letterings for popular Chilean expressions that were translated into English in a literal way with the help of Google Translate. Edited and released for the Los Angeles Art Book Fair 2017, Geffen Contemporary at MOCA (The Museum of Contemporary Art, Los Angeles)

Travelling es un libro de dibujos sin palabras. Es un recorrido visual a través de 9 historias encadenadas en las que se hace especial énfasis en la representación del lenguaje y de sus sonidos a partir de elementos gráficos. Y donde también la representación del entorno se convierte en materia prima de los mensajes.

Es un libro en el que el tono y el color de la comunicación son más importantes que lo que se dice.

Y es también un experimento de exploración del lenguaje gráfico. Una búsqueda de una escritura y lectura universales.

Esta edición de 300 ejemplares está numerada y firmada y cada ejemplar tiene una portada con un dibujo original y diferente.

Cada uno de los dibujos de las portadas es lo que llamo sonogramas. Cada sonograma encierra una posibilidad. Puede ser un discurso, o  una voz, o un ruido, o una melodía, o una historia. Y cada lectura es un significado nuevo.

Precio: 40 € / España; 50 € Europa, Canada y Estados Unidos (gastos de envío incluídos)

Para comprar el libro o solicitar un encargo de ilustración puedes ponerte en contacto conmigo en: contacto@pepemedina.net

En 1964, un profesor de ciencias de Zambia llamado Edwuard Makuka decidió entrenar a la primera tripulación africana para viajar a la luna. Su plan era usar un cohete de aluminio para llevar a una mujer, dos gatos y un misionero al espacio. Primero la luna, luego Marte, usando un sistema de catapulta. Fundó la Academia Nacional de Ciencia, Investigación Espacial e Investigación Astronómica de Zambia para comenzar a entrenar a sus Afronauts en su sede ubicada a solo 20 millas de Lusaka.

Este libro autopublicado fue finalista del Paris Photo Aperture First Book Award en 2012, fue finalista del premio Deutsche Börse y obtuvo el premio Infinity del ICP en Nueva York en el mismo año. Es el #18 en la lista de los mejores libros de fotos de todos los tiempos para la revista Source.

2020 Magazine, Issue 0

SABAT is a three-issue magazine (The Maiden Issue, The Mother Issue & The Crone Issue), fusing witchcraft and feminism, ancient archetypes and instant art to paint a portrait of and offer insight into what the occult means today.

“Satanic feminism, esoteric influences on high fashion and celebrating the darker side of being a woman: just a few things to be spellbound by in biannual magazine Sabat.” – VICE

“Sabat is a wizard of a magazine and it’s such an unexpectedly fantastic concoction. It brings together two interests of mine that I never thought would or could combine; witchy themes found in 90s TV shows like ‘Buffy’ and ‘Charmed’ on the one hand, and crisp design and typography on the other. You wouldn’t expect this combination to work, but it does.” – MAGCULTURE

All three issues available to purchase through our website!

TAMBOURINE is an online platform established for the promotion and distribution of the independent magazine scene. Its aim is to decipher the role of printed matter in contemporary culture, as well as provide its readers with the latest magazine releases, connecting the digital community with the highest quality printed matter goods.

Un fanzine sobre chicas comiendo Kebabs.

Cuando por circunstancias personales el fotógrafo Agus Bres se vio obligado a volver a vivir en la casa familiar inició una investigación visual sobre su entorno cercano. Su estrategia fue mirar a los paisajes de su infancia y juventud casi con los ojos de un forastero y combinar esas imágenes con fragmentos de su vida pasada, objetos encontrados por el camino y la misma tierra que conforma esos lugares.

El resultado es ‘tierra’, una publicación de 36 páginas que transita entre lo poético y lo descarnado. Un artefacto visual en el que indaga sobre conceptos como la construcción de la identidad y nuestra relación con lo cotidiano cuando lo miramos con otros ojos.

“tierra” es la primera publicación de Varios Fuegos Pequeños.

Varios Fuegos Pequeños no es una editorial ni un colectivo, pero edita publicaciones de fotografía y es un grupo de fotógrafos.

Iniciado por los fotógrafos murcianos Gustavo Alemán, Agus Bres y Amelia García, que a su labor fotográfica añaden experiencia en la gestión, la formación y la edición, pretende convertirse en una red de autores periféricos que desarrollen proyectos y acciones fotográficas diversas. Modestia, sostenibilidad y la creación de lazos entre iniciativas fotográficas de extrarradio son algunas de sus señas de identidad.

Varios Fuegos Pequeños forman una hoguera.

I paint contains the conjugation of the verb to paint. The linguistic content in this volume can be orally activated by the user in one or more voices.

I paint (Yo pinto) contiene la conjugación del verbo “pintar”. El contenido lingüístico incluido en este volumen puede ser activado oralmente por el usuario a una o más voces.

Cartas al Director es una publicación que recopila el trabajo de Tamara Bastías y Ricardo Altmann, quienes utilizando la borradura y el bloqueo de texto transforman en poemas las cartas de opinión de los lectores que publica el conservador medio impreso de derecha, El Mercurio (Chile) This publication compiles the work of Tamara Bastías and Ricardo Altmann, who using erasure and blocking of text transform into poems the readers’ opinion letters published by the right-wing conservative newspaper El Mercurio (Chile).

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Javi era yonki, y también una persona amable y delicada. Le conocí hace más de 20 años, al inicio de mi trayectoria como fotógrafo. Generosamente me dejó fotografiarle un día, en un acto íntimo en el que su fragilidad quedaba al descubierto para el resto.

Hace unos meses me topé de nuevo con estas imágenes, y sentí que debía hacer una publicación con ellas; pero ahora mi interés ya no reside tanto en la acción que representan las fotografías, sino en la morfología de los volúmenes y los juegos de luces que las habitan.

Ojalá que Javi disfrute de este pequeño recuerdo, allá donde esté.

High Society está basado en una compilación de imágenes del libro “O Hipnotismo” de Karl Weissman publicado en 1972.

[EN]    In this publication the author utilizes a memory exercise to evoke an enjoyable moment in the Matur tourist complex, located to the East of Madeira Island. The title SARABANDE alludes, in a figurative sense, to the synchronized actions that took place in two contiguous spaces of this facility, connected to each other through a glass divider.

[ES]   En esta publicación el autor recurre a un ejercicio de memoria para recuperar un episodio de recreo en el complejo turístico Matur, situado en la parte este de la isla de Madeira. El título SARABANDE (Zarabanda) alude, en sentido figurado, a las acciones sincronizadas que discurrían en dos espacios contiguos de este recinto, conectados entre sí a través de una división acristalada.

Video: Implosion of the Atlantis Hotel /

Implosión del Hotel Atlantis, Água de pena, Machico

(1972-2000)

This poem takes root in a disagreement between a group of artists and an academic institution regarding the rent of their studio. Following the disagreement, a debt was put on the shoulders of the artists by the institution and – after making dinner for the head of the institution – they were given the possibility to make a counter proposal regarding how to settle it.

Threatened with losing their studio they offered what they had, free creative labour. Their offer was laid out in a tiny book. It was handmade, had a painted cover and started with the word Hello. ‘The Counter Proposal’ is the ghost of this original book. It serves as poetic witness to a moment of precarity which led a group of artists to take on a debt they knew to be illegitimate.

Each book was individually hand painted and bound at Heesterveld 57, Amsterdam in March 2021.

Crida Festival editorial → [140 x 250mm, 24 pages]. Speculative and critical design: New ways of reusing abandoned places. → 7,99 €

Lust at large – A reference to undressing and stepping out of societal norms, Carcy magazine is a large format journal focusing on the topic and representation of eroticism following its tagline Lust at large. Carcy, a biannual magazine with a timeless allure, comes with a sophisticated, minimalist aesthetic and a penchant for vintage, high-end quality photography and portraiture. Visually, it draws on the history of the photography and narrative process of cinema. This lustful fashion magazine is about people and their link between something both intimate and universal, ancient acts constantly redefined by new norms and rules.

For Stephane Carcy, creative director and editor-in-chief, photography is truth, and all the artists he likes and, in a way or another, end up in his publication—in the form of inspiration— are all related to images, like Pina Bausch, Christian Boltanski or Jean-Luc Godard. Throughout century all human beings articulate freedom via carnal expression and this is what Carcy wants to celebrate.

Edited by Stephane Carcy. Issue 4 features Edwina Preston on the cover, shot by Amit Israeli.

SHIPPING INFORMATION

We ship every Thursday from Madrid (Spain) only within Europe. Due to the current situation related to the COVID-19 first shipping is planned for the 14th of May. Depending on where you are, shipping takes anywhere from 3 to 15 business days. For shipping outside of Europe, please contact us before making any purchases.

WHAT’S THE MAGAZINE CLUB?

Print clearly isn’t dead, and we want to prove it: we thought of a space for both magazine-makers and readers to meet in Madrid. The Magazine Club is a platform to understand and get in touch with indie magazines thanks to a program of bimonthly events taking place at Open Design Area. Magazine exhibitions and talks with the editors that stand behind the most exciting international publications are our ingredients to spread some indie culture around. The Magazine Club is born.

TEAM

Margherita Visentini / Paloma Avila / Gema Navarro

CONTACT

Whether you’re interested in our events, you have published a magazine, you wanna support our project or collaborate with us, do not hesitate and drop us a line:

info@themagazineclub.madrid

ahora después is an álex n. ramírez photobook showing 69 of álex n. ramírez´s photographs. some of them are repeated, some of them are multiplied. álex n. ramírez´s ahora después photographic subjects are the act or running and also the act of waiting. passage of time and an accumulation could make room for very interesting things.

A really impressive third issue from the MA Graphic Media Design course; this is what independent magazine-making is all about.
MagCulture

A Line Which Forms a Volume is a publication and event of graphic design-led research both entirely organised by MA Graphic Media Design masters course participants at the London College of Communication (UAL).

The publication explores the use of graphic design as a critical tool to investigate the complexities of contemporary society. Employing established and emergent methods and technologies, the projects work towards producing new and unlikely perspectives on and for the world.

Featuring external contributions by:
Evening Class (UK)
Paul Soulellis, (US)
Anja Kaiser+Rebecca Stephany (DE)
Legrand Jäger (UK)

This and previous issues can be entirely read for free here.

Ikebana significa el camino de las flores, es una técnica floral efímera en la que las plantas son las protagonistas. Para su práctica es necesario estar conectado con el entorno que lo rodea, alejarse de toda distracción y concentrarse unos momentos en la observación de los detalles de la naturaleza. Por tanto, el tiempo que se dedica en crear las composiciones se convierte en un periodo de reflexión.

Este proceso está intrínsecamente ligado a nuestra filosofía y nuestra concepción del proceso creativo:

Creemos en el valor artesanal como antídoto a muchos de los males de nuestro mundo actual. Apostamos por el consumo consciente y,  al mismo tiempo, por piezas portadoras de la esencia de la persona que ha dedicado sus conocimientos y esfuerzo a realizarlas.  Y, por último,  es totalmente crucial para nosotras la apuesta decidida por la belleza como transmisora de nuestros valores y como reflejo de nuestra visión del mundo.

Ikebana II ha sido desarrollado en Las Islas Canarias, a través de la exploración de su paisaje y realizado completamente con plantas y vasijas encontradas o recolectadas. Fotografiado en analógico, serigrafiado y encuadernado a mano. 

La muerte, el amor, el poder, la libertad, el dolor, las relaciones entre las personas o con la realidad. Javier Lozano nos da la bienvenida a lo complejo, paradójico y contradictorio de la vida moderna y el proceder humano. Cuestiones problemáticas con múltiples interpretaciones.

«Un cómic tan guay, que da la vuelta y explota» Conxita Herrero
«Me lo leí anoche del tirón, y me ha encantado. Historietas cortas sobre las cosas importantes de la vida, con un dibujo lo-fi que me flipa.» Andrea Galaxina
«Leí Welcome, de Javier Lozano, en un viaje en tren, y no pude soltarlo hasta que lo terminé. Consiguió que olvidara por completo que tenía una pantalla en mi bolsillo. La sensación al terminarlo fue de total empatía, me reconfortó. Me sería imposible decir de qué trata. Quizá de la extrañeza ante nuestra existencia. Welcome, en mi lectura, es un viaje inquietante, a veces ambiguo, a veces directo. A veces cómico, a veces trágico. O todo a la vez. Me parece un libro y un regalo maravilloso.» Rubén H. Bermúdez / Clavoardiendo

El Corazón es un trabajo visual acerca de los cuentos y otros relatos, donde se explora la capacidad de las palabras para generar imágenes. Asimismo, analiza cómo a través de la representación simbólica se abren nuevos espacios de reflexión y consciencia sobre lo que nos rodea. Gestos, formas, escenas y paisajes quedan transformados en herramientas de resolución y adaptabilidad a los conflictos universales inherentes a la existencia.

Entitled “Mixtape”, this catalogue brings together works by Dominique Hurth from 2008 to 2020. It comprises one text booklet with contributions by Daniela Cascella, Sonja Lau and the artist herself; one image booklet with 136 images from installation shots of Hurth’s work and one audio-tape (45-min each side) with recordings, music and sound material inherent to the research behind the works. The chosen format reflects on her interest in object-biography, technology and its history.

“We listened to historical recordings and futurist sounds, to tracks taking in everything from minimal wave and Detroit techno to hip-hop and chansons. We listened to the voices of the first speaking dolls that sounded like little monsters, to the voices of Sarah Bernhardt and Serge Gainsbourg as he burned a 500 Franc note on French TV. To Clarice Lispector as she lit a cigarette while being asked why she continued to write. We listened to music created in laboratories, music that was sent into outer space. We listened to lyrics and then languages and voices w couldn’t understand. Machine-generated sounds. Sounds created on celluloid. James Joyce reciting four pages of Finnegans Wake to Charles Ogden in the late 1920s. We listened to advertisements for vocoders and to music with vocoders as the primary transmitter of voice and the main musical instrument. We listened to France Gall singing — or rather, screaming — into the microphone at the Eurovisio Song Contest at the age of nineteen about being a doll made of wax and a doll made of sound. To a litany of okays sung by The Destroyer in a song by the Residents. To the breathing of Pauline Oliveros’s accordion. To the Holy Ghost in the Machine. To Minnie Riperton’s voice in the background, to atonal music, and to computer-generated hand claps. Electronic communication with the dead. Jazz.
A countdown to zero. We listened to beats.

The several hours of sound that we listened to eventually became two side of forty-five minutes each — Side A and Side B. Condensed and edited in this way, this mixtape actually conceals and contains several other mixtapes, recalling all the other tracks that burst out of the edges of the magnetic band.” (”Mixtape(s)”, D. Hurth, 2020)

Imágenes sobre imágenes sobre páginas sobre páginas. Retratos, autorretratos. Caras, capas, maquillaje, disfraz. Identidades, personajes entre objetos, fetiches y banderas en decorados en escenarios construidos entre las paredes de casa. El hombre maduro, el patriota, el amante, el artista. Estereotipos. La cultura. Lo que soy, lo que quieren que sea, lo que pienso que piensan los demás, lo que yo pienso de los demás. Lo que deseo. La fantasía, la realidad. Roles, máscaras, cáscaras.

El escultor Igan O. ha sido invitado a participar en un debate sobre el formalismo en un museo principal, un desnudarse ante público, colegas y críticos que lo enfrenta a su propia creación, a su práctica y a su historia —la pequeña pero fundamental historia de cada cual—, desde las experiencias preartísticas de la niñez y la adolescencia, cuando surgen las incipientes formas, en intimidad con la familia, la memoria, la identidad y la muerte.

En parte ensayo, ficción y autobiografía, Badiola despliega —ahora dentro del ámbito de la literatura— las maneras fragmentadas, acronológicas y, a la vez, intensas emocionalmente que han caracterizado el funcionamiento de la mala forma practicada a lo largo de los años en su trabajo como artista.

La compleja mirada del creador —interior y sobre su entorno— se sirve de una estrategia que lo oculta y a la vez lo expone: «Me di cuenta enseguida de que no estaba en disposición de mentir en forma de verdad. Pensé que para mí, y puede que para todos, resultara de mayor interés que me histerizase, intentando decir la verdad en forma de mentira».

TXOMIN BADIOLA  (Bilbao, 1957) es un artista de amplia trayectoria en el campo de las artes plásticas. Su obra ha sido objeto de varias retrospectivas, la última en 2016 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid. Ha compaginado su práctica con labores de comisariado y docencia, como las desarrolladas en el centro de arte Arteleku y el programa Primer Proforma, del MUSAC. Es autor de Oteiza. Catálogo razonado de escultura, publicado por la Fundación Museo Oteiza. Esta es su primera novela

<<A Txomin Badiola le pidieron un ensayo sobre las “malas formas”, expresión que se refiere a su manera de hacer arte con materiales heterogéneos que componen una obra que despierta y “agrede” al espectador. Podria haberlo contado con las armas habituales de la teoria. Pero respondió con otra “mala forma”, una narracion compuesta de hilos muy diferentes, con tres protagonistas que se cuestionan a si mismos, que se parecen y no se parecen al artista>>.
Iñaki Esteban, El Correo.
▫️
«Llega Badiola con un libro bajo el brazo en el que ha reunido distintos materiales propios y familiares, como en sus obras plásticas, para crear una ficción ensayística, o un ensayo ficcionado, y autobiográfico».
Paula Achiaga, El Cultural.
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«Badiola considera el trabajo con las formas como núcleo del arte, pero en vez de aceptar las formas dadas, social y politicamente aceptadas, cree que los artistas deben situar su produccion de formas en una linea de transgresión».
José Jiménez, ABC.

Based on the cross-over between sound and image, BOOKSCAPES documents a journey across Mexico through a series of short recordings of a blank book made in various locations. The idea of bookscape, formed by the combination of words book and landscape, was born in response to the practice developed by composer Murray Schafer to study the acoustic environment of various contexts (soundscapes). The bookscapes incorporate into the sound recording the visual element of such environment, which is reflected into the blank pages of an open volume.

Through this process, an expanded sense of reading emerges, unsettling the established forms of a practice that usually contemplates the literary and visual material rather than the sonorous component, which in this case becomes a central part of the reading experience, responding to a certain place where the context in which the reader is located provides and creates the narrative.

The blank page is an invitation to listen, rather than to see; it outlines a form of expanded literature where the reader participates as an active listener, in search of a book always open to another time and another space.

→ TAKE PART TO THE CONFINED BOOKSCAPES EDITION

The time and space where we all suddenly found each other is a state of quarantine.The soundscape that surrounds us has changed deeply, and the environment of our lockdown has become our shelter.

For this reason, we would like to create a diverse and collaborative edition for our second volume of BOOKSCAPES, collecting the recordings of what has become the reality of each of you and put it together as a memory of these uncertain times.

If you’d like to be part of it:

• Find a sound and visual context of your quarantine that you’d like to share
• Take a blank paper or a blank book
• Record a one minute length video of it from above
• Send it to hola@urbildeditions.com

We will collect the material and weave together the next publication

This project by Iván Nespereira (Ourense, 1978) for Alauda Negra, “Bloque” is the seed of a major work based on his interest in our relationship with Stone as an element that has different interpretations and forms.  This publication provokes an imaxinary with a density of flux (proper or appropriate) in this game of dualisms and summons our gaze to penetrate the surfaces and ideas through the stone.

[EN]

8.00 AM / 15.00 PM explores the physical structure of printed matter. The title represents the time difference between Mexico City and Madrid, the two places where the artist lives. Luis Úrculo uses the publication’s construction as a physical manifestation of the temporal divide between the two cities. Objects are bent, mirrored, broken, or otherwise altered by passing through the center of each spread—breaking the illusion of synchronous existence.

[ES]

8.00 AM / 15.00 PM indaga la estructura física del artzine. El título representa la diferencia horaria entre la Ciudad de México y Madrid, los dos lugares donde vive el artista. Luis Úrculo utiliza la propia anatomía de la publicación como una manifestación física de la brecha temporal entre las dos ciudades. Los objetos son doblados, reflejados, rotos, o alterados de modo que al pasar por el centro de 8.00 AM / 15.00 PM se rompa la ilusión de una existencia sincrónica.

Nuevos Formatos, Nuevos Imaginarios explora cómo los nuevos procesos, formatos y contextos de producción de conocimiento, arquitecturas, información o verdad, plantean nuevos interrogantes que han de ser abordadas desde las prácticas espaciales críticas. Imágenes pobres, circulacionismo, memes, arquitectura forense, resurrección biológica, arquitecturas del simulacro, xenofeminismo…

Situándose a caballo en un mundo entre lo físico y lo digital, reclaman nuevas estéticas y nuevos imaginarios. ¿Han democratizado el acceso a ciertas discusiones o por el contrario privilegian a unos pocos? ¿Han sido capaces de construir nuevas estéticas a través las cuales interrogar nuevas realidades y conectar con otros receptores? ¿Es posible repensar hasta qué punto los medios y mecanismos utilizados en la actualidad están condicionando nuestras prácticas espaciales? O, pensémoslo al revés, hasta qué punto las nuevas sensibilidades, preocupaciones y agencias arquitectónicas deben encapsularse en formatos superados o requieren de nuevos mecanismos capaces de visibilizar estas nuevas prácticas. 

Just in case you don’t know him, Rosa von Praunheim (he took the artistic name of the pink triangle that homosexuals had to wear in Nazi concentration camps) is a prolific German film director and gay rights activist, became a cult figure in the early 70s. He was one of the initiators of the homosexual rights movement in Germany and an early advocate of AIDS awareness. A Queer Cinema and films focusing on LGBT+ issues pioneer, but he has been a controversial figure even within and out the gay community too.

And this is the book about his film ‘Death magazine: or how to be a flowerpot’. A film that was accompanied by a major scandal because the productor didn’t want the audience to see it. The film and the book are a documentary about “Death” magazine, founded by “Screw” Magazine founder and publisher Al Goldstein, and its eventual failure. Images about death, the tabooed part of life, like to sex, because we try to ignore both. The book shows living death as an important part of our life.

The photobook ‘Gibt es Sex nach dem Tode?’ Rosa brings death to life: trivial, banal, disrespectful, undignified, serious, sexy, happy and punk. From different supports we can meet face-to-face with the dead and all the clichés of the television and newspeper feature are gathered: interviews, statements, archive material, reportage with accidental deaths, mountains of corps from the concentration camp, executions, impaled heads, traffic fatalities…

A raw and different book with a great use of colour in this collage design!

La mañana del 23 de diciembre de 2010 el tejado del número 2 del callejón del Secadero se vino abajo.

Esto no era del todo exacto, y además no le interesaba a nadie, pero así lo relató la prensa local, siempre empeñada en alimentar la fantasía de que lo que sucedió en aquella capital de provincia tenía alguna importancia.

112 pages, 50 Illustrations
Paperback. 15 × 20 cm
2020, 978-84-122124-1-9
English and Spanish.
Price: 30 € (TAX incluided).
300gr.

A stepwell, locally called a ‘vaav’, is a type of subterranean water architecture that is prevalent in the Indian subcontinent. It attained unsurpassed importance in the semi-arid regions of western India

Stepwells of Ahmedabad is the culmination of five years of research undertaken by a collective of architects from India. Their research documents the magnificent water structures that are found in and around the city of Ahmedabad. Rather than being just an architectural catalogue, this book aims to present a deeper understanding of the intrinsic social and ecological relationships related to these stepwells and their current condition in the city of Ahmedabad. This edition also sheds light on the lesser-known history of the roles played by women as patrons and users of these fascinating structures.

Texts: Tanvi Jain, Priyanka Sheth, Aashini Sheth.
Research: Riyaz Tayyibji, Priyanka Sheth, Tanvi Jain, Aashini Sheth.
Photography: Karan Gajjar, Malay Doshi
Drawings: Tanvi Jain, Priyanka Sheth, Aashini Sheth, Neel Jain, Malay Doshi.
Edition: Calmo / Sofía Romeo
Design: Miguel Sotos, Carlota Álvarez
Translation and proofreading: Almudena Valdés de Anca

EATEN is a magazine focused on everything food history published three times a year. Each volume contains historic recipes, enlightening gastronomic essays and fascinating tales written by passionate journalists, historians, and gastronomes eager to celebrate the past and present of what we eat.

ISSUE 4

The theme is “Sweet & Sour” and includes M.F.K. Fisher’s 1978 visit to Japan, to write the foreword to Shizuo Tsuji’s book Japanese Cooking: A Simple Art; a history of bitter Seville oranges; a survey of sugar sculpture in Europe from the sixteenth century onward; an investigation into the maritime origins of the whiskey sour.

ISSUE 5

The theme is “Surf&Turf” and includes among others the fight over muskrat eating in Michigan; the saga of a surfer’s cocktail and the foods of survival in the Antarctic, and many other culinary stories from the land, the sea, and everywhere in between.

ISSUE 6

The theme is “Futures Past” and includes among others the laboratories attempting to grow hamburgers; the space foods of Soviet Russia;the sacrificial lambs purported to tell the future, and many other wild and wonderful stories of meals yet to come.

AVAILABLE ALL THREE ISSUES ON OUR ONLINE SHOP.

Frequency – 3 times a year

Format – 19,5 x 24 cm

Pages – 128

Binding – softback

Country – USA / UK

Language – English

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Print clearly isn’t dead, and we want to prove it: we thought of a space for both magazine-makers and readers to meet in Madrid. The Magazine Club is a platform to understand and get in touch with indie magazines thanks to a program of bimonthly events taking place at Open Design Area. Magazine exhibitions and talks with the editors that stand behind the most exciting international publications are our ingredients to spread some indie culture around. The Magazine Club is born.

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Margherita Visentini / Paloma Avila / Gema Navarro

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?? This publication takes shape as an alphabet book and a typographic specimen shedding light onto the cartazistas’ craft, unique to the Brazilian scene. Employee or freelance, he or she elaborates by hand the visual communication material for many businesses (supermarkets, butchers, convenience stores, bakeries…). Mostly self-taught, trained through observation” or via internet, these professional calligraphers have developed the art of handwriting and composition. They have adopted, each one in their own manner and with specific tools, a unique craftsmanship in letter drawing.

The encounter and interview with three Cartazistas constitutes the contents of the publication.

?? Esta publicación toma la forma de un libro del alfabeto y una muestra tipográfica que arroja luz sobre la artesanía de los cartazistas, única en la escena brasileña. Empleado o freelance, él o ella elabora a mano el material de comunicación visual para muchas empresas (supermercados, carnicerías, tiendas de conveniencia, panaderías …). En su mayoría autodidacta, capacitados a través de la observación ”o por Internet, estos calígrafos profesionales han desarrollado el arte de la escritura y la composición. Han adoptado, cada uno a su manera y con herramientas específicas, una artesanía única en el dibujo de letras.

El encuentro y entrevista con tres cartazistas constituye el contenido de la publicación.

NXS #4 Algorithmic Anxiety explores the spectrum of algorithmic authority over our lives (whether perceived or not). The contributors question or reveal the inconspicuous influence of algorithms, in their various forms, on our behavioral patterns, emotions, and self perceptions of our position in the world.

Are algorithms really rational and only virtual? Are they better than we are in drawing up a reflection of ourselves? Can they predict our future selves? The intangibility and unclarity of the effects of algorithms on our lives can lead to the uncanny feeling of a loss of control, a sense of frustration and anxiety. Are we at risk of losing our agency to act and think, of being increasingly controlled and programmed through social credit systems, surveillance, and Big Data rankings? Are we on the path towards digitally structured totalitarianism? Control, as well as influence, over future decisions and actions, are after all the goal of pre-emptive algorithmic systems and forms of government. What does that mean for the conception of the autonomous self?

With contributions by:
Arnar Ásgeirsson
Crosslucid
Julie Czerneda
Simon Denny
Ariana Dongus
Wesley Goatley
Quentin Gomzé
Benjamin Edgar Gott
Normunds Grūzītis
Abby Jame
Gwyneth Jones
Colin Koopman
James Massiah
Vector Newman
Nathalie Nguyen
Sabrina Scott
Nishant Shah
Jaeho Shin
avoidstreet
Viktor Timofeev
Veronika Vidø
Coralie Vogelaar

Cómic de carretera en el que diversos personajes escapan de la ciudad capitalista a la naturaleza salvaje, de las convenciones a la sensación pura, de las referencias a la abstracción. Viaje iniciático que descubre la libertad o la desilusión. Huída imposible de la mente creadora enfrentándose a los límites del sistema.

Entrevista de Kike Infame a J.F. Vaquero en 13 millones de naves

«Persecución es tan sorprendente como inclasificable. Un objeto imposible que nace de pensamientos sincopados, de extractos de ideas, de fragmentos de obras…, componiendo una huída hacia delante de inesperada coherencia. Único.» Álvaro Pons en Twitter

«Menuda sorpresa ha sido PERSECUCIÓN, de J. F. Vaquero Mata, un libro poético sobre urbes deshabitadas y espacios naturales que se vuelven abstractos. No he podido evitar relacionarlo con la situación que vivimos.» Gerardo Vilches en Twitter

Durante su investigación sobre el monasterio de El Escorial, David Bestué comprobó, al explicar a otras personas aspectos que iba descubriendo, que pocas lo habían visitado y que quienes lo habían hecho tenían recuerdos confusos. O bien parece que no haya nada que decir, o bien se cae en la exaltación patriótica y en el relato de sus anécdotas y curiosidades. En ocasiones, es visto como una maldición, el residuo de algo que no termina de desaparecer; en otras, sin embargo, como una suerte de despensa de las esencias vivas de España.

Este texto pone en duda los valores invariables que sustentan el «macizo de la raza». Se habla del gobierno belicoso y autoritario de Felipe II, de la sustracción americana, de la deuda, de los periodos de gloria y abandono del edificio, de sus sucesivos incendios, saqueos y reconstrucciones. Como un cáliz que se llena o se vacía acorde a la situación de España y a la consideración cambiante hacia la religión, el ejército y la monarquía. Más que una piedra lírica, eterna, muda e imperturbable, el monasterio es la caja negra del país, un mecanismo que registra sus sacudidas, aunque estas intenten ser ocultadas; el símbolo de algo que se cree permanente, central, hegemónico; una estructura física e ideológica.

David Bestué (Barcelona, 1980) es un artista que trabaja la escultura y la escritura. Entre sus exposiciones individuales destacan Realismo, La España moderna y, en el Museo Reina Sofía, Rosi Amor, una investigación material y formal inspirada en los barrios madrileños de Las Tablas y Vallecas, así como en el monasterio de El Escorial, escenario recurrente de sus intereses en los últimos años. En Caniche ha publicado Historia de la fuerza (2017), un repaso visual por la evolución técnica, material y estructural en España, a partir de la historia moderna de su ingeniería.

Sinopsis

Esta novela fue publicada por primera vez en 1906, y su repentino éxito dio a conocer al mundo a una autora que a lo largo de su prolífica carrera demostró en numerosas ocasiones un innato talento narrativo y un mordaz compromiso por la causa de la emancipación de la mujer, ambos plasmados con excepcional fuerza en las páginas de este libro. Su carga reivindicativa y su valiente denuncia contra la opresión machista hacen de Una mujer una de las primeras novelas feministas aparecidas en Italia y en Europa, y de su autora una pionera adelantada a su contexto literario y social. Tanto es así que, como destacó certeramente la crítica, tras la publicación de Una mujer «Aleramo dejó de ser solo una escritora para convertirse en una reivindicadora de la igualdad de géneros, en una rebelde». Después de más de un siglo desde su primera publicación, este apasionado retrato autobiográfico de una mujer que lucha por el derecho a vivir en plenitud y libertad se confirma como una lectura actual e imprescindible.

La autora

Sibilla Aleramo (1876-1960) nació en Alessandria como Marta Felicina Faccio. Hija de una familia acomodada, tuvo que dejar los estudios tras la escuela primaria y se formó como escritora de manera autodidacta. La depresión de su madre, internada en una estructura psiquiátrica, marcó la adolescencia de Aleramo, truncada abruptamente por la violación sufrida a manos de un empleado de su padre, con el que acabó casándose con tan solo dieciséis años. Oprimida por el yugo de una relación que aborrecía y tras un intento de suicidio, Aleramo abandonó la familia en 1902 y se mudó a Roma donde pudo desarrollar su carrera literaria e involucrarse como activista en incipientes movimientos feministas.

Autora fecunda y precoz, sus obras abarcan prosa, poesía y periodismo, ámbito en el cual destacó como colaboradora de numerosas revistas literarias.

Prensa

“Libros violeta”, Clara Morales, Infolibre, 06/03/2020
“Una pionera del feminismo: Sibilla Aleramo”, Vivere all’italiana, 06/03/2020
«Me parece verme reflejada en esta italiana del Piamonte», Elvira Lindo, 23/03/2020

MATTO is a biannual Paris based magazine that seeks 
to escape definition. Instead, it remains in a constant state of experimentation, fluidly combining art, photography, literature, fashion, music and sex.

ISSUE 1

Features artists and creators such as Araki Nobuyoshi, Masaho Anotani, Metasitu, Chris Kontos, Nina Christen, Maria Fusco, Harsh Parekh, Claire Cottrell, Claire Barclay, Sakiko Nomura, Metahaven, Makoto Orui, Marlene Huissoud, Ana Kras, Anja Cronberg, Alice Schillaci, Jennifer Cunningham, Theseus Chan.

ISSUE 2

Features artists and creators such as Daisuke Yokota, Paul Kooiker, Daido Moriyama, Amie Siegel, Olivier Saillard, Marc Hundley, Anicka Yi, Alex Foxton, Rosemarie Auberson, Lexie Smith, Richard Prince, Sandra Vasquez De La Horra, Trisha Baga, Kristen Wentrcek And Andrew Zebulon , Sarah Lucas.

ISSUE 3

It took from Jonas Mekas the sentence “We do not need perfection! We need nervous breakdowns!” as a sort of tagline. Besides a literary feature on Mekas, it features Berlin-based Thomas Hauser on the cover, a conversation with fashion designer Kostas Murkudis, a personal photo series by Swedish JH Engström, Toledano and his Fetish Mag For Sale among many others.

AVAILABLE ALL THREE ISSUES ON OUR ONLINE SHOP.

Frequency – Biannual

Format – 27 x 20 cm

Pages – 184

Binding – softback

Country – France

Language – English / sometimes French

SHIPPING INFORMATION

We ship every Thursday from Madrid (Spain) only within Europe. Due to the current situation related to the COVID-19 first shipping is planned for the 14th of May. Depending on where you are, shipping takes anywhere from 3 to 15 business days. For shipping outside of Europe, please contact us before making any purchases.

WHAT’S THE MAGAZINE CLUB?

Print clearly isn’t dead, and we want to prove it: we thought of a space for both magazine-makers and readers to meet in Madrid. The Magazine Club is a platform to understand and get in touch with indie magazines thanks to a program of bimonthly events taking place at Open Design Area. Magazine exhibitions and talks with the editors that stand behind the most exciting international publications are our ingredients to spread some indie culture around. The Magazine Club is born.

TEAM

Margherita Visentini / Paloma Avila / Gema Navarro

CONTACT

Whether you’re interested in our events, you have published a magazine, you wanna support our project or collaborate with us, do not hesitate and drop us a line:

info@themagazineclub.madrid

Libro que recopila más de un centenar de flyers o volantes impresos entre 1993 y el 2003 relacionados con la cultura del techno y los clubes en Chile. El libro incluye una serie de textos de personalidades relevantes de la época entre los que se incluyen Jorge González y Sebastián Lelio.

Book that compiles more than a hundred flyers printed between 1993 and 2003 related to techno culture and clubs in Chile. The book includes a series of texts by relevant personalities of the time, including Jorge González and Sebastián Lelio.

Desde This Book is True presentamos La casa que sangra del fotógrafo mexicano Yael Martínez, del Estado de Guerrero, y que fue una respuesta del fotógrafo al asesinato de uno su cuñados y la desaparición de otros dos, todos por el narco, para comprender y superar el trauma de esta violencia, usando para ello fotografía documental clásica y también preparada, respondiendo a sueños y visiones personales.

Becado por la fundación Magnum, por el Fonca de México, ganador de un WorldPressPhoto, finalista en muchos premios de fotografía documental, tenemos la suerte de distribuir su libro desde This Book is True.

ALL MY MOTHER’S HOLIDAY PHOTOGRAPHS is about photography and its different approaches. 724 pages, B&W Offset Digital on recycled paper 90gsm, 11×17cm. An collation by Edu Martínez Piracés with images and texts by Rosa Piracés Atarés.

[EN]

MANUAL is a guide book, a feedback loop of enigmatic images and messages that unlock the hidden powers that connect us. Bubi Canal wants us to discover the magic that dwells within, and MANUAL is a talisman published in zine form. It is intimate but universal, alien yet familiar.

[ES]

MANUAL es una guía, en formato bucle, compuesto por una sucesión de imágenes enigmáticas y mensajes que dan rienda suelta a poderes ocultos que nos rodean y conectan. Bubi Canal trata de que encontremos la magia que habita en nuestro interior a través de esta publicación. De esa manera, MANUAL se presenta como un talismán publicado en formato artzine. Íntimo pero universal, extraño pero familiar.

Light Fall of Dust documents the performance that Miguel Ângelo Martins did in the Raum Press studio, Salamanca. This performance took place on December 31, 2019.

Light Fall of Dust (Suave caída de polvo) documenta la performance que Miguel Ângelo Martins realizó en el estudio Raum Press. Esta performance tuvo lugar el 31 de diciembre de 2019.

the way you look at yourself in a store window. a small dish by night. how do you steady a table? not saying “slow fuck” or “strong loving” but this doesn’t mean you feel things less than the others do. any decision is an aesthetic act and that’s this book’s subject. photographs, short stories, tags and annotations by @_VRDT_ . living and not trying to make everything look like something.

An intimate exploration through the spectrum of nature’s beauty resolving into a curated selection of photographs that work both as a photobook, and a poster collection.

This second edition has been updated with new pictures taken by Paula along 2019; and improved with a new yellow screen-printed packaging.

Para los Kaingang, synuin es algo bonito, es decir, algo que puede percibirse como bonito por la persona que lo recibe. Dzeeka en Baniwa se refiere a saber hacer, a algo que alguien puede hacer como resultado de una evolución de saber, aprendido de los más ancianos y que solo puede ser hecho por humanos. Ziapohaw, para los Guajajara, identifica el acto de hacer, provocar, crear, resolver. Mevi-revosh-showima-awe en Marubo es un trabajo hecho con la punta de los dedos. Yaimyxop, para los Tikmu’um o Maxakali, es un esfuerzo estético que produce eventos espirituales, constituidos por música y cantos, y con la presencia de personas-espíritu. Tembiapo, en Guaraní, es una práctica de hacer conectada con el arte y la memoria.

A veces no hay palabras para una práctica, porque esa práctica no existe, o no lo hace del mismo modo. Puede materializarse de modos similares a otra con ese nombre, hasta puede parecer que, por un momento, es la misma práctica.

Sin embargo, si la acompañamos durante el tiempo suficiente, o la consideramos en su complejidad, en su alcance e implicaciones, ese encuentro puede parecer apenas una coincidencia o, simplemente, irrelevante. Pero aún así, insistimos…

La palabra arte es persistente, sorprendentemente efectiva en su habilidad de atraer la atención, afectar procesos y motivar agencias. También en provocar irritación y hastío, principalmente por su obcecada voluntad de expansión, su espíritu colonial de crecimiento e incorporación.

En tiempos recientes, el arte y su sistema en Brasil volvieron su atención a los pueblos indígenas y sus producciones. No tanto a sus realidades o preocupaciones, sus demandas o incomodidades, sino a los objetos e imágenes que algunos de ellos producen, así como a ciertas narrativas y valores que su presencia evoca e invoca. «Arte indígena» se convirtió en un asunto, seguido, lentamente al comienzo, por «artistas indígenas» y, aún hoy incipientemente, «curadores indígenas». Ocupaciones y preocupaciones necesarias, deseadas e inevitables, que revelan un encuentro que puede ser celebrado, pero que no debe ser tomado como resuelto o definitivo.

Este número de Concreta intenta acercarse a algunos puntos de ese encuentro y, aún con mayor énfasis, caminar hacia otros lugares en los que las trayectorias se bifurcan y apuntan a un exceso: un exceso que es tan, o más relevante, que los encuentros. Para traer aquí esos acercamientos, invitamos a personas que los realizan profesional y vitalmente en diferentes territorios de América Latina y España. La mayoría en Brasil, el territorio en el que vivo hace aproximadamente ocho años, pero también en Bolivia, Chile, México y Guatemala: países en los que un proceso colonial de más de quinientos años no consiguió eliminar impulsos y prácticas de creación y recreación tan o más persistentes que esa palabra con la que comenzamos.

Desde plataformas institucionales o de gestión autónoma, desde posiciones colectivas o aproximaciones individuales alimentadas por la tradición, indígenas y no indígenas, las personas que contribuyen a este número muestran en su trabajo y vida voluntad de contacto, sin necesidad de suponer una autonomía que salvaguarde la práctica. Es difícil ofrecer una síntesis, tal vez porque no se trata de llegar a un común sino a una abertura. Tal vez el único común posible aquí sea una pregunta que sirva de comienzo, que fuerce un ejercicio, que demande una reflexión con consecuencias sobre las estructuras: para que ese contacto acontezca de una manera que el arte y sus sistemas no subsuman, agoten o desanimen las prácticas que procura encontrar. ¿Qué debería cambiar en ese sistema? ¿Qué métodos, palabras, suposiciones, actitudes y deseos precisan mudar para que el encuentro no sea, de nuevo, abusivo y violento, para que no sirva solo a una parte?

Las historias, imágenes, narraciones y perspectivas que siguen no son instrucciones. Sin embargo, contienen herramientas y ejemplos, impulsos y visiones que nos apuntan hacia algunas respuestas.

Pablo Lafuente (Santurtzi, 1976). Escritor, editor y comisario de arte que vive en Río de Janeiro. Fue cocurador da 31a Bienal de São Paulo (2014), del proyecto de investigación y exposición Zarigüeya / Alabado Contemporáneo (Museo de Arte Precolombino Casa del Alabado, Quito, 2015-20), de las exposiciones Dja Guata Porã : Rio de Janeiro Indígena (Museu de Arte do Rio, Río de Janeiro, 2017-18) y Sawé : Liderança Indígena e a Luta pelo Território (Sesc Ipiranga, São Paulo, programada para 2021). Fue coordinador del Programa CCBB Educativo en el CCBB, Rio de Janeiro (2018-20) y, desde septiembre de 2020 es director artístico del Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio) junto con Keyna Eleison.

Idioma: Español
Páginas: 338
ISSN:2254-9757
Tamaño: 230 x 150 mm
Edición: 1500 copias
Año: 2020

“Bouquet” es una posterzine imprimida en risograph. Es concebida como un ramo de flores que no tiene pétalos, sino pàginas de papel.

La zine está doblada y encuadernada con un elástico, como si fuera una tarjeta de felicitación o una carta de amor.

¡Deja de recoger las flores! Mejor regala una zine a tu mamà o a tu novio.

Like Stains of Red Dirt reúne una serie de momentos que dan cuenta de la experiencia de un lugar concreto. En este trabajo realizado después de vivir más de diez años en Johannesburgo, Sudáfrica, la mirada de Juan Orrantia se dirige hacia el interior. A través de la combinación de escenas espontáneas, intuitivas y otras construidas, el libro va desgranando momentos, gestos y objetos de su propia casa y de los alrededores. Su uso del color y de las sombras crea un lenguaje que nace de lo subjetivo, de la experiencia diaria y de la imaginación.

En un país marcado de tantas maneras por el color, las fotografías nos invitan a pensar en la superficie tanto como forma seductora, como ilusión. Estas sugieren emociones e inquietudes, así como la presencia de corrientes históricas, políticas y representacionales subyacentes que atraviesan el contexto en el que se han tomado.

COSAS QUE PASAN ME HAN PASADO TE HAN PASADO ESTÁN PASANDO son cosas que pasan, me han pasado, te han pasado y están pasando. No, perdón, las que están pasando las sacaré en el próximo fanzine. Cosas contadas a través de poesía, relato corto, conversaciones de cabina y listas de cosas, utilizando la narración de la manera más experimental. También incluye material de archivo. El último testimonio sucedió y se escribió el mismo día en que se mandó a imprenta. Añadiendo prosa, pero todo lo que aparece en este libro ha sido sufrido, visto u oído, ocurriendo en ese plano que consideramos realidad ?✨?

This book could be an ode to nineties fashion. It includes more than 115 photographies from Juergen Teller earlier and iconic work, featuring candid portraits of Vivienne Westwood, Kate Moss, Patti Smith, PJ Harvey, Chloë Sevigny and Harmony Korine, Kurt Cobain and Courtney Love, Kristen McMenamy and more!

This monograph shows an uniform style of raw emotion that has become his recognizable aesthetic. Teller ‘play’ with spontaneity and his models to unflattering angles, uses a bright and hard flash, and never retouches his photographs, exposing the myth of idealized beauty that fashion images offers.

In addition, an interesting conversation, in interview format, to get closer to his work, his life, as well as his creation process.

Me parece muy sugestivo tu propósito de buscar en la abundancia de la casa Cerralbo los errores más interesantes, las incongruencias, lo ausente, precisamente lo que falta. Ese interés lo asocio a un vago y antiguo deseo tuyo de desaparecer. Deseo paradójicamente asociado a tu hiper-presencia: cuanto más desapareces, más estás. El anhelo de la desaparición era una forma tuya de estar, de super-estar… de superstar.

Si en lugar de ir a París, finalmente, al estilo de Herzog, vas caminando al Cerralbo a ver las obras de Santomá, yo te acompañaré, tenlo por seguro. A ti te cae a la vuelta de la esquina. Y a mí más lejos, pero desde mi poblado, puedo llegar a caballo, buscando el ritmo del Jinete de Moreau.

Guillermo Santomà is an artist based in Barcelona. In a few words, he could be described as being interested in how a space is affected by the production of elements vaguely similar to furniture as well as by chromatic interventions. It seems that the force that motivates his interest in the house of the marquis is driven by the question: how does the social space of a reactionary mind look? The question is a sensitive one because we tend to ascribe the practice of art to liberal values, even though there are plenty of historical examples of artists who by no means share such principles. Yet Santomà’s intervention adds another twist: the artist is not only interested in how politics shapes character and how character shapes taste, but also how, then, taste shapes the body. Do ultra-conservatives sit in chairs similar to the liberals’?

I read his insistence on placing his work there as act to study the nature of transformation, of the relation between human agency and power, as well as nature (present in all the materials) and technology (as in all of us in relation to the space and its objects). The different works he decided to introduce in the palace act as the containers of the main problem the house and its past poses to us and our time: the importance of the simultaneous representation of existing and non-existing phenomena. How can art or an artwork sustain a double vision between the tangible and the intangible?

Does anybody know if the toilets at the palace of Cerralbo are gender neutral?

Un conjunto de capas y capas de literatura oblicuas y entrelazadas a cargo de Chus Martínez, Ignacio Vidal-Folch, Enrique Vila-Matas así como del propio Guillermo Santomà. Todo ello acompañado de las fotografías de José Hevia y Rafa Castells que documentaron la intervención que tuvo lugar durante 2019 en el Museo Cerralbo de Madrid producida por Side Gallery y Etage Projects.

Somos espectadores de pantalla. Consumidores virtuales de arte contemporáneo. Visitamos museos, galerías, bienales y ferias sin necesidad de desplazarnos, gracias a profesionales que retratan piezas, exposiciones, instalaciones, performances, incluso arte sonoro. Su mirada se traduce en imágenes que sintetizan y transforman el hecho artístico y que nos abren las puertas a la curiosidad.

Quiénes son estos fotógrafos, qué proceso siguen para crear sus imágenes, cómo consiguen distinguirse en un reino de plataformas de digestión compulsiva de fotografias, por qué en el sistema del arte, siempre preocupado por la autoría, pasan tan desapercibidos que se necesita una lupa para encontrar su firma en los créditos.

La artista CRISTINA GARRIDO ha conversado con ocho de ellos (Roberto Ruiz, Peter Cox, Moritz Bernoully, Carlos Díaz Corona, PJ Rountree, Erika Barahona Ede, Ela Bialkowska y Andrea Rossetti). Esta es la historia -o al menos una de las historias- de la cara B del arte: la (invisible) figura del fotógrafo que documenta arte contemporáneo.

We are screen art spectators. Virtual consumers of contemporary art. Visitors to museums, galleries, biennials, and art fairs without having to move from where we are, thanks to professionals who portray artworks, exhibitions, installations, performances, and even sound art. Their ways of looking produce images that synthesize and transform the artworks, opening doors to curiosity.

Who are these photographers? How is the process they follow when creating images? How do they manage to stand out in the era of smartphones and platforms of compulsive consumption of images? Why in the art system, specially concerned about authorship, they are so unnoticed that one needs a magnifying glass to find their name in the credits?

Visual artista CRISTINA GARRIDO went to meet eight of them (Roberto Ruiz, Peter Cox, Moritz Bernoully, Carlos Díaz Corona, PJ Rountree, Erika Barahona Ede, Ela Bialkowska y Andrea Rossetti). This is the story –or at least one of the stories– of art’s B-side: the (invisible) figure of the photographer who documents contemporary art.

Throughout recent months our realities have changed drastically, with the coronavirus taking centre-stage in the quarantine world tour that has so quickly made its way across the globe.

And with every tour comes its accompanying merchandise (even the uncomfortably apocalyptic science-fiction ones). In the hopes of producing something positive from a situation so negative, and of coming together in times that pull us apart, this t-shirt – now available on @everpresshq – was designed in collaboration with Pedro Mata Nogueira → 31,00 €.

Available until May 12

Editorial portfolio for the photographer Mark Yareham, which collect, his work from recent years. [210 x 297 mm]. → Contact @enric.pe for buy it.

As an excerpt as well as a continuation of her show “No habrá servicio los domingos ni en el cumpleaños de la Reina Victoria” at the Academy of Media Art Cologne (2016), Nieves de la Fuente Gutiérrez collages landscape photography, mars rover selfies and screenshots of game engine generated images, blurring the distinctions of their physical and digital origins, addressing the materiality of virtuality. Superimposed by text fragments on the anthropology of precious metals and the ethics of terraforming mars, fictional and nonfictional merge into a state of immediate fuzziness, questioning perceptions as well as the possibilities to communicate within contemporary imagery and content.

Nieves de la Fuente Gutiérrez, born 1988, lives and works in Cologne and Madrid.

“I´m a Landscape Photographer” representa un portfolio de imágenes de paisajes en un momento donde no podemos hacer imágenes de paisajes. ¿Qué es un paisaje? Sobre idílicos escenarios de playas, ríos, valles o volcanes en un videojuego de finales de los dosmil emulado en mi ordenador he dado un paseo virtual por varios lugares de ensueño que nunca podré visitar. Puedes visitar la tienda virtual del autor para comprarlo o mandarle un mail a hola@davitruiz.com.

PHOTOGRAPHERS
Aaron Ricketts (US) / Agostina Valle (AR) / Alessia Rollo (IT) / Alessio Maximilian Schroder (IT) / Alisa Aistova (RU) / Ana Vallejo (CO) / Andres Juarez Troncoso (MX) / Andrea Jarales (ES) / András Polgár (HU) / Andrés Jorgensen (AR) / Ariel Guisarri y Gisela Volá (AR) / Asadur Rahman (BD) / Benjamin Malvicino (AR) / Benjamin Pfau (DE) / Biniam Graffé (DE) / Carlo Rusca (CH) / Carol Espindola (MX) / Charles Park (US) / Daniel Mebarek (BO) / Daniel Rampulla (US) / Diana Puraite (LT) / Diego Moreno (MX) / Diego Nuñez (AR) / Dima Zharov (RU) / Domenico Camarda (IT) / Elea Jeanne Schmitter (FR) / Eliseo Tess (AR) / Eva Casanueva (ES) / Felix Marquez (MX) /Forest Kelley & Jorge Ureña (US) / Foto Estudio Luisita (AR) / Gabriella Achadinha (ZA) / Gloria Oyarzabal (ES) / Gregory Eddi Jones (US) / Harshini Karunaratne (LK) / Helena Roig (ES) / Hernan Kacew (AR) / Ian Lewandowski (US) / Ihar hancharuk (BY) / Isabella Melis (DE) / Jessica Marie Buie (US) / Joel Jimenez (CR) / Jomar Canales Conde (PR) / Juan Brenner (GT) / Julia Albrecht (DE) / Julia Sbriller & Joaquin Wall (AR) / Julieta Pestarino (AR) / Justin Clifford Rhody (US) / Katsu Naito (JP) / Karla Hiraldo Voleau (DO)(FR) / Kenny Lemes (AR) / Koral Carballo (MX) / Laura Born & Matthias Schneck (DE) / Luca Baioni (IT) / Luis Corzo (US) / Macarena Malaga Porris (AR) / Manuel Parra (MX) / Mara Sánchez-Renero (MX) / Marquitos Sanabria (AR) / Maria Sturm (RO) / Mariana Papagni (AR) / Marisol Mendez (BO) / Massimiliano Gatti (IT) / Matias Maroevic (AR) / Max Pinckers & Quinten de Bruyn (BE) / Maximilian Koppernock (DE) / Melba Arellano (MX) / Mia Song (US) / Milan Gies (NL) / Naguel Rivero (AR) / Nelson Morales (MX) / Nikolai Frerichs (DE) / Olga Tzimou (GR) / Orecchie D’Asino (IT) / Pablo Stettler (CH) / Paola Castelli (UY) / Paola Favoino (IT) / Paula Rae Gibson (GB) / Paz Errázuriz (CL) / Pilar Ordoqui (AR) / Quinceañera Archives by Samantha Cabrera Friend (US) / Raquel Bravo Iglesias (ES) / Robin Alysha Clemens (NL) / Samuel Zakuto (IL) / Sandra Gramm (DE) / Sebastian Gherre (CL) / Sebastián Alejandro Gallo (AR) / Selina Mayer (GB) / Shaun Lucas (US) / Shelli Weiler (US) / Simon Lehner (AT) / Sofía Finkel (AR) / Stanislava Novgorodtseva (RU) / Sunil Gupta (IN) / Tenayah Bowmer (AU) / Teresa Eng (CA) / Thales Pessoa (BR) / Tim Stürze (DE) / Veteranas and Rucas by Guadalupe Rosales (US) /Violeta Capasso (AR) / Yağız Yeşilkaya (TR)

Revista Balam is an independent contemporary photography magazine based in Buenos Aires, Argentina that shows images of emerging and established artists from Latin America and the rest of the world. It speaks issues related to minorities and dissent through its open call. Presenting here its latest issue N6 under the theme of MESTIZX. In this issue we come to expose the collective call of more than 100 authors from different parts of the world who explore, through their eyes, the advance of stocks in various political, social and cultural contexts of a world dominated and repressed by the heterosexual norm. We metaphorically reinvent the concept of MESTIZX from taking our bodies as a field and witness to the struggle and visibility of our decisions and ways of being, acting and loving. Photographers who cross borders to build and deconstruct the future panorama of photography.

Guanli de shou: The managed hand es una publicación que nace del proyecto homónimo expuesto en Barcelona entre septiembre y octubre del 2019. Se trata de una recopilación de textos sobre el cuidado (los cuidados), en concreto sobre el papel fundamental de las mujeres migrantes racializadas en los salones de uñas. Es un experimento en el que se mezclan las imágenes de las obras en sala con imágenes sacadas de internet, letras de canciones, corredoras afroamericanas y vapores tóxicos. Es un cuento contemporáneo sobre la explotación y el trabajo feminizado. Eso sí, teñido de rosa.

“Cada vez más, tendemos a externalizar también los cuidados sin pensar en las personas que los realizan por nosotros y mucho menos reflexionamos acerca de por qué lo hacemos o qué consecuencias puede tener. Simplemente, no nos queda tiempo. Como dice la Zowi “mi dinero es tu ocio” y el tiempo, tenga la forma que tenga, es siempre monetizable por la máquina del turbocapitalismo. Nuestras depresiones, nuestras desviaciones emocionales y nuestro cansancio es también productivo. Alexa, Siri, Cortana, Aura, Irene, Viv, Erika, Alice… hacen lo que sea por ti, están encantadas de ayudarte, nunca se cansan y esperan que tú tampoco lo hagas. Por eso nos hacen las uñas otras mujeres, para que desfallecer en el sofá mientras nos pintamos torpemente los dedos de los pies no pueda ser una opción de posibilidad, para que no nos miremos el cuerpo dentro de un espacio en el que nadie nos mira, para que no empleemos un tiempo monetizable en conocer nuestras propias necesidades y para que no dejemos de comunicarnos con el otro, para que no consigamos hablarnos con cariño a nosotras mismas.”

>el libro no ha llegado a imprimirse debido a la crisis del Covid-19. Tan pronto como sea posible realizaremos una primera edición de ejemplares limitados y procederemos a su envío. Cómpralo ya en preventa!

instagram: @ridimeid

web: www.mariaalcaide.com

mail: info@mariaalcaide.com

This publication is an exercise on listening, an expansion to inner and outer spaces guided by Daphne Xanthopoulou.

Daphne Xanthopoulou is a musician based in Barcelona, Spain. She has published her music in Sonospace and Crystal Mine net and cassette labels and some writing in A A) GLIMPSE) OF), Golfo Magazine, Teflon and Thraca. Together with Blazej Kotowski they run Cachichi, a collective that focuses on new music and its intersection with contemporary art and thought.

Más allá de lo humano explora discursos y prácticas que desplazan al hombre del centro de la producción espacial y entienden su posición dentro de un sistema global atravesado por múltiples tentáculos. Una realidad habitada por bacterias, animales, residuos, cadenas de bits, órdenes logísticas, hongos, ciborgs, territorios, ecosistema, aires… Un nuevo cuerpo múltiple que será necesario interrogar para entender las realidades espaciales y desvelar las posibilidades arquitectónicas que van más allá de lo humano.

A través de sus páginas, encontraremos aproximaciones que rompen el binomio cultura-naturaleza, propuestas para una nueva geología postnatural, arquitecturas y dispositivos que convocan a animales no-humanos y otros agentes, exploraremos las implicaciones espaciales del antiespecismo, cómo utilizar las realidades biológicas de otras especies para la recuperación de un territorio y descubriremos las nuevas realidades espaciales de la acumulación de datos y de los nuevos entornos automatizados.

A FLAMENCO CATHARSIS es un estudio de dirección creativa especializado en la industria del flamenco que también publica una revista con el mismo nombre. Así, A FLAMENCO CATHARSIS Magazine es una publicación impresa, con vocación internacional, cuyo tema es el flamenco y sus alrededores artísticos. Con un enfoque ecléctico y sin miedos ni restricciones, este número dos presenta un contenido que va de la poesía a la experimentación visual, pasando por el ensayo y el relato de ficción, todo ello con una fotografía y un diseño editorial insólitos en el panorama revistero flamenco.

A very special book published in 1971. An iconic an gorgeous catalogue that contains art work from major Sixties artists, including Beuys, Caro, Hamilton, Lichtenstein, Oldenberg, Paolozzi, Rauschenberg, Stella, Twombly, Warhol, among others. Many reproductions of Pop Art and Op Art works collected by Peter and Irene Ludwig.

With a wonderful design by Wolf Wostel <3 Soft cover with embossed flexible plastic covers and a hard acrylic spine, bound with stainless steel bolts. Multiple paper stocks and printing effects, brown fabric paper with color plates, printed transparent slipsheets with a portrait of each artist, fold-outs… and more

And this is the fifth edition. The final edition, updated and expanded! An exceptionally and well preserved copy for you.

Una compilación de respuestas a la pregunta “La fotografía es… (completa con el teclado predictivo)”, realizada en instagram stories a los seguidores de mi cuenta en esta red social.

Las respuestas se publicaron por orden de llegada junto con el etiquetado de la cuenta y una foto de mi propio archivo recopilado durante los días y semanas previos.

Se pueden ver todas las respuestas en las historias destacadas de mi cuenta de Instagram aquí.

C19 es una selección de dibujos que provienen de otros dibujos a través de las páginas de un cuaderno. Una comunidad de líneas.

C19 is a selection of drawings coming from other drawings through the pages of a sketchbook. A community of lines.

Best book ever! The full Sam Shepard script and the full Wim Wenders film in double color pages. Plus photographs of the shooting, Wim Wenders’ location photographs and  the opening titles of a film. This book, PARIS, TEXAS, is as great as PARIS, TEXAS the film, we promise you!

The red color,  the Texas landscape, magnetic Nastassja Kinski and enigmatic Harry Dean Stanton.

Incredible book and iconic road movie film —Palme d’Or at Cannes 1984—. It’s exactly what you would expect and want.